Taiwan Hip-Hop und Rap Entwicklung: Chinesisch kann nicht rappen, Taiwâ spricht nicht auf der Bühne und ist kein Slum, sie verwandeln drei Nachteile in eine souveräne Klangsignatur

30-Sekunden-Überblick:

Taiwanischer Rap wird oft als „chinesische Übersetzung von US-Hip-Hop“ abgetan, doch die wahre Geschichte ist genau das Gegenteil. Chinesisch ist eine Tonsprache und wurde angeblich „von Natur aus ungeeignet für Rap“; der Taiwanesische Dialekt mit seinen sieben Tönen und Tonhöhen erreichte nie den Mainstream; und die Hauptakteure des taiwanischen Raps sind gebildete, urbane Männer aus Fakultäten wie Elektrotechnik, Chemie oder Soziologie an Universitäten in Taiwan, was überhaupt nicht zum „Waffen der Unterschicht“ im US-Hip-Hop passt. Diese drei vermeintlichen „Nachteile“ wurden von dieser Insel nacheinander zu Besonderheiten umgewandelt – die Muttersprache wurde zur Tonalität des Widerstands, höhere Bildung definierte neu, was „real“ bedeutet, und die Vielfalt von Ideologie, Ethnizität und Sprache schuf einen Klang, der sich von der gegenüberliegenden Küste unterscheidet. Von 《Crazy Song》 im Jahr 1989 bis zum Golden Melody Award für Hot Dog im Jahr 2024 erzählt dieser Text, wie Taiwan drei angeborene Nachteile in eine Eigenart verwandelt hat, die nur auf dieser Insel gesungen werden kann – ein souveränes Klangbild.

Im Mai 2004 wurde der Songwriter-Preis „Bestes Lied“ beim 15. Golden Melody Award für 《Life's a Struggle》 verliehen. Der Schöpfer selbst nahm den Preis jedoch nicht entgegen: Song Yue-ting war zwei Jahre zuvor an Multiples Myeloms gestorben und konnte somit, da er erst 23 Jahre alt war, von seiner Mutter und seinem Bruder vertreten werden ¹. In derselben Gala waren auch 〈Terrassen〉 von Jay Chou, 〈Ostwind bricht durch〉 von Fang Wen-shan und 〈Kein Zurückbleiben〉 von Faye Wong ² nominiert. Ein Underground-Rapper, der seinen Preis nicht selbst hören konnte, gewann gegen die damals populärsten Namen in der chinesischen Musikszene.

Dies ist ein sehr „taiwanisches“ Intro: Der erste vom System anerkannte Rap-Song wurde von einem Autor geschaffen, der nicht mehr lebte. Und niemand auf der Bühne des Golden Melody Awards hat den Rap wirklich in die Wohnzimmer der Taiwanesen gebracht. Um taiwanesischen Hip-Hop zu verstehen, muss man zuerst einen gängigen Vorurteil ablegen: „Taiwanischer Rap ist nur eine Nachahmung von Amerika.“ Diese Aussage vereinfacht die Erzählung, kehrt aber die Kausalität um. Das Besondere am taiwanischen Rap ist gerade, dass er nicht den amerikanischen ähnelt – der Ton des Chinesisch, der Klang des Taiwanesischen Dialekts und die Gruppe von Schöpfern, die keine Unterschicht sind. Diese Insel hat drei angeborene Nachteile nacheinander in einen Klang verwandelt, der nur sie selbst singen kann.

Chinesische Texte sind nicht für Rap geeignet

Zuerst ein technisches Problem. Der Kern des Raps ist Rhythmus und Reim, und Englisch ist eine betont getimte Sprache (stress-timed). Wo der Akzent liegt und wie die Silben unterbrochen werden, trägt bereits einen Beat in sich. Chinesisch ist das nicht. Chinesisch ist eine Tonsprache; die Höhe und Senkung jedes Wortes bestimmt die Semantik: Derselbe Laut „ㄕ“ (shī) mit vier Tönen sind vier verschiedene Wörter. Wenn man diese Wörter schnell in einen Takt presst und den englischen Flow anstrebt, neigt der Ton dazu, abgeflacht zu werden, was zum Ergebnis führt, dass „man nicht mehr versteht, was gesungen wird“. Aus dieser Perspektive ist Chinesisch tatsächlich „angeboren ungeeignet für Rap“.

Wie reagieren die Rapper in Taiwan auf diese Herausforderung? Die Antwort liegt bei Song Yue-ting. DJ KU von der Taihoku University Hip-Hop Research Group beschrieb ihn als „Pionier der Doppelreimtechnik“, dessen Satzstruktur und Gesangsstil an Tupac³ erinnern. Was man als Doppelreim bezeichnet, ist das gleichzeitige Reimen zweier Reimketten in einem Satz, wodurch die Rhythmik des Chinesischen nicht durch den Ton, sondern durch die Reimdichte aufrechterhalten wird. Dies ist eine erste Lösung, um einen Nachteil zu umgehen: Da der Ton nicht natürlich wie im Englischen einen Beat erzeugen kann, füllt man die rhythmische Lücke mit dichterem Reimen.

Song Yue-ting (1978–2002), gestorben im Alter von dreiundzwanzig Jahren. Sein letztes Werk „Life's a Struggle“ schob den chinesischen Rap durch Doppelreime einen Schritt voran und gewann 2004 den Preis für den besten Texter beim 15. Golden Melody Award. Gedenkporträt, Fair use editorial commentary.

Zwanzig Jahre später wurde dieser Weg zu einem fast obsessiven Extrem getrieben. Xiong Zai: Sein bürgerlicher Name ist Xiong Xin-kuan; er absolvierte ein Bachelorstudium in Elektrotechnik an der Taihoku University und einen Masterabschluss am Telecommunication Institute, und war auch Präsident der Taihoku Hip-Hop Culture Research Group: Er behandelte Reime als eine Wissenschaft, die modelliert werden kann. Seine eigene Aussage ist: „Durch die Forschung der Phonetik und den Aufbau mathematischer Modelle wurde erkannt, dass Rhythmik eine mehrschichtige Struktur ist … Wörter an Stellen zu setzen, die angenehm klingen.“⁴ In der Szene wird er als „Reim-Unendlich-CEO“ bezeichnet, dank dieser Methode, bei der mehrschichtiges Reimen in mathematische Strukturen zerlegt wird. Sein Song 〈88BARS〉 mit einer dichten Reimstruktur von 88 Bars (Zeilen) brachte ihm den Preis für den besten Texter beim 33. Golden Melody Award (2022) ein⁵.

📝 Kuratorische Notiz
Allgemeine populärwissenschaftliche Kreise behaupten, „Taiwaner Rapper hätten das Problem der Ungeeignetheit des Chinesischen für Rap überwunden“. Aber dem ist näher: Sie haben es nicht „überwunden“, sondern sie haben ein anderes Regelwerk gewählt. Englischer Rap erzeugt Rhythmus durch Betonung; Taiwaner Rapper erzeugen Rhythmus durch Reimdichte – es ist weniger, dass sie langsamer auf demselben Weg laufen, als vielmehr, dass sie an einer Gabelung einen anderen Pfad eingeschlagen haben. Xiong Zais mathematisches Reimen und Song Yue-tings Doppelreime tun im Grunde dasselbe: Sie wandeln ein Problem, das „Chinesisch nicht leisten kann“, in die Frage um, „wie Chinesisch es leisten kann“. Der Nachteil wird oft erst in diesem Moment der Neudefinition zu einer Besonderheit.

Die Frage, ob „Chinesisch überhaupt für Rap geeignet ist“, gab es in Taiwan nie als Konsens. Xiong Zais 〈88BARS〉 wurde von einigen Zuhörern hinterfragt, weil er viele englische Passagen enthielt („Ist das dann nicht doch noch Englisch?“). Die Werke von Eggfort im Taiwanesischen Dialekt und die Existenz des gesamten taiwanesischen Rap wurden wiederum von einer anderen Fraktion als Gegenbeweis angeführt, die behauptet, dass eine chinesisch verwandte Sprache überhaupt Rappen kann⁶. Der Streit selbst ist Teil der taiwanesischen Hip-Hop-Kultur: Eine Gruppe von Menschen, die so ernst sind, dass sie wegen „der sprachlichen Machbarkeit“ streiten, zeigt, dass diese Frage hier ernst genommen wird.

Die sieben Töne des Taiwanesischen: Bug oder Feature?

Wenn die vier Töne der Mandarin-Sprache eine Herausforderung für den Rap darstellen, ist die Situation mit dem Taiwanesischen noch subtiler. Das Taiwanesische hat sieben Tonhöhen, und zusätzlich gibt es die „Tonumlautung“ (tone sandhi): Wenn ein Wort isoliert gesprochen oder an ein anderes angehängt wird, ändert sich der Ton automatisch. In dem Standardrahmen der chinesischen Popmusik wurde dies früher als Akzent angesehen, der „nicht formell genug“ sei und nicht in den Mainstream passe.

Aber FishLIN von Kao Chiu-chin hat diese Vorstellung komplett auf den Kopf gestellt. Seine Aussage ist sehr direkt: „Mit Hoklo gibt es einen Rhythmus, selbst beim Sprechen.“ ⁷ Hoklo ist das Taiwanesische. Manchuker aus derselben Gruppe verwendet eine anschaulichere Metapher: Die sieben Töne des Taiwanesischen seien „rund“, während die vier Töne der Mandarin-Sprache „quadratisch“ seien; das bedeutet, dass die Tonkurve des Taiwanesischen runder und abwechslungsreicher ist und dem Flow zusätzlichen rhythmischen Spielraum gibt ⁷.

In den Studien der amerikanischen Wissenschaftlerin Meredith Schweig wird diese Praxis, die Muttersprachliche Akzente als kreatives Kapital zu nutzen, als „resistenzielle Vernakuläre“ (resistance vernaculars) bezeichnet: Rapper aus Taiwan in der postautoritären Ära nutzten ihre Muttersprache, um Rap zu einer „kreativen politischen Intervention“ ⁸ zu machen. Mit anderen Worten ist der Akzent des Taiwanesischen kein zu korrigierender Bug; er ist ein Feature.

Diese Linie der Muttersprache ist eigentlich älter als der Hip-Hop selbst. Im November 1989 veröffentlichte das Label Blacklist Studio „Crazy Song“ (抓狂歌), das die traditionelle Rezitation des Taiwanesischen („Zá-nà-a“) mit Rap und Reggae verschmolz und damit den Vorläufer der „Neuen Taiwanesischen Bewegung“ schuf ⁹. Taiwan hatte bereits seine eigenen Wurzeln im Rap: Das „Liām-kua“ (唸歌), eine Rezitation, begleitet von Moonqin, ist eine jahrhundertealte Tradition des Sprechens. Als also der Rap nach Taiwan kam, wurde diese bereits existierende lokale Erzählader zum Boden für seine Verankerung ⁸.

Offizielles MV von Dwagie (大支): 〈TaiwanSONG〉 ist eines der repräsentativsten Werke des Taiwanesischen und nutzt den Akzent als akustisches Symbol für die taiwanische Identität.

Derjenige, der das Taiwanesische am weitesten getrieben und politisch aufgeladen hat, ist Dwagie (曾冠榕), aus Tainan. Sein Album „She-Chan Lianhua“ (舌燦蓮花) von 2002 war eine der letzten Veröffentlichungen vor der Schließung des Labels Magic Rock und wird oft als das erste rein Rap-Album in der chinesischsprachigen Welt bezeichnet ¹⁰. In dem repräsentativen Werk 〈TaiwanSONG〉 nutzte er den Taiwanesischen Akzent direkt als akustisches Markenzeichen für Taiwan.

Auch die Hakka-Sprache verfolgt diesen Weg. Yappy (曾怡彬), aus Zhuolan, Miaoli, schrieb mit sechzehn Jahren „Trap Miao Li“ (陷阱苗栗) und verband den düsteren Beat des britischen Drill mit dem hakkaischen Akzent; er sagte sehr eindringlich: „Hakka ist die Sprache, die mir am nächsten liegt, die mein innerstes Kernwesen ist.“ ¹¹

Wenn man diese Akzente zusammen hört, hört man, was Taiwan-Hip-Hop von einem einheitlichen Sprachmarkt unterscheidet: Auf dieser Insel gibt es nie nur eine Sprache; Mandarin, Taiwanesisch, Hakka und die indigene Sprache der Xixing-Völker sind alle dabei.

Ein Vertreter der indigenen Linien ist A Bao (Aljenljeng Tjaluvie), ein Paiwaner aus Jinfeng, Taitung. Obwohl ihr Werk „kinakaian Maman’s Tongue“ nicht rein Rap ist, sondern eine Mischung aus indigener Elektronik und Pop, war die Verleihung des Albumpreises beim 31. Golden Melody Awards (2020) selbst ein Signal: Die Mainstream-Musikszene Taiwans war bereit, einen Preis für ein Muttersprachliches Album zu vergeben, das sie nicht verstehen konnte. A Baos Dankesrede auf der Bühne ist wortgetreu festzuhalten [^13]:

✦ „Ich danke allen Zuhörern, die auf PLAY gedrückt und geteilt haben; danke euch, dass ihr versucht habt, eine Sprache zu hören, die ihr nicht versteht.“

Blacklist Studio „Crazy Song“ (1989). Durch die Verschmelzung des Taiwanesischen Zá-nà-a, Rap und Reggae wurde der Vorläufer der „Neuen Taiwanesischen Bewegung“ geschaffen und der Akzent des Taiwanesischen zum ersten Mal als Kapital genutzt. Albumcover, Fair use editorial commentary.

Eine Gruppe von Studenten der National Taiwan University mit Mikrofon

Der zweite Nachteil ist tiefer verborgen und noch kontraintuitiver. Die prototypische Erzählung des amerikanischen Hip-Hop ist die Waffe der Schwachen aus den Slums: Sie entspringt den Straßen von South Bronx und erzählt von dem Ärger, dem Überleben und dem Widerstand der Unterschicht. Wenn man dieses Muster anwenden würde, müsste auch der taiwanische Rap aus der sozialen Unterschicht stammen. Aber das ist genau das Gegenteil.

Die Hauptakteure des taiwanesischen Raps sind weiße Männer mit mittlerem bis hohem Bildungsabschluss aus städtischen Gebieten. Xiong Zai stammt von der Elektrotechnik der National Taiwan University (NTU). Guo Dan (Yang Guanjun) kommt von der Mittelschule in Tainan und dem Chemieingenieurwesen der NTU ¹². Leo Wang (Wang Zhiyou) studierte Soziologie an der NTU, brach später jedoch ab. Sogar Lin Haoli, ein Gelehrter, der dieses Phänomen am tiefgründigsten analysiert, ist selbst außerordentlicher Professor für Anthropologie an der Tsinghua University und der zweite Präsident des Hip-Hop-Studienvereins der NTU ¹³. Wenn ihm jemand fragt, warum der taiwanische Hip-Hop so anders als der amerikanische sei, antwortet er fast selbstironisch: „Weil wir einfach Jugendliche sind, die es sich relativ gut leisten können.“ ¹⁴

Dieser Satz durchbricht etwas, das viele nicht zugeben wollen. Wenn deine Schöpfer größtenteils keine „Schwachen“ sind, muss der Kernwert des Hip-Hop – „keep it real“ (real bleiben) – neu definiert werden. Man kann nicht vorgeben, aus einem Slum zu stammen; das wäre falsch; aber man hat auch nichts Falsches zu erzählen. Leo Wang gab eine schöne Antwort: Wenn Schöpfer ihren eigenen Gedanken und Gefühlen treu sind und ihre Werte ehrlich widerspiegeln, dann „keepen sie es real“ ¹⁵. Eine Studie der Taiwan Normal University über den „Kampf um Legitimität“ weist ebenfalls darauf hin, dass taiwanesische Rapper das Konzept der „Straße“ in den lokalen sozialen Raum neu konstruieren, anstatt die Vorstellung von Gewalt und Gangs aus dem amerikanischen Straßenkontext zu kopieren ¹⁶. Daher hat Real eine neue Bedeutung: Es misst den Grad der Ehrlichkeit, unabhängig davon, woher man kommt.

📝 Kuratorische Anmerkung
Hier liegt eine unausgesprochene Wahl. Taiwanesische Rapper hätten ganz einfach Amerika imitieren und sich als „trashiger“ oder „gefährlicher“ inszenieren können – das wäre der sicherste Weg, einfach kopieren. Aber die meisten haben dies nicht getan. Eine Gruppe von Studenten der NTU entschied sich, Studenten der NTU zu sein, und stellte unter dieser Prämisse die Frage neu: „Was ist Realität?“ Die Aussage von Lin Haoli, „Wir sind einfach Jugendliche, die es sich relativ gut leisten können“, ist deshalb wichtig, weil sie ehrlich ist – und Ehrlichkeit ist genau das, was sie neu definiert haben. Was am taiwanesischen Hip-Hop am wenigsten amerikanisch ist, hat seine eigene Legitimität hervorgebracht.

Dies verleiht dem taiwanesischen Hip-Hop einen einzigartigen Charakter. Lin Haoli könnte fast als Fußnote für den gesamten Text dienen: „In anderen Musikbereichen ist es schwer, eine derart komplexe ideologische Verstrickung zu sehen; im Hip-Hop kann man den Wandel und das Gemisch eines ganzen Landes und einer Gesellschaft beobachten.“ ¹⁷ Die Tatsache, dass hochgebildete Menschen sich mit dieser Sache beschäftigen, bringt nicht nur Technik, sondern auch viel Lesen, kritische Reflexion und Selbstbewusstsein mit. Die Akademisierung ist ein Merkmal des taiwanesischen Hip-Hop; später wird man sehen, dass sie für manche Menschen unerwartet zu einem Zugangspunkt geworden ist.

Tempel-Festivals, Internetforen und Flussuferbotschaften

Jede Subkultur benötigt materielle Voraussetzungen, um aufzublühen: einen Ort, an dem Gleichgesinnte einander finden können. Die Underground-Ära des taiwanesischen Hip-Hops hatte mehrere Schichten dieses „Orts“.

Die früheste Schicht war das Internet. Im Jahr 1998 erstellten die Highschool-Schüler Lin Hao-li und seine Kommilitonen ein Bulletin Board namens „Master U“, welches die erste Hip-Hop-Online-Community Taiwans bildete ¹⁸. Zwei Jahre später, im Jahr 2000, wurde der Taiwan University Hip-Hop Culture Study Group gegründet: zunächst war dies eine „illegale Gruppe“ (ohne offizielle Genehmigung) ¹⁹. Es war eine Ära, in der Bootleg-CDs über das Wohnheimnetzwerk verbreitet, Kassetten in der Guanghua-Shoppingmall gesucht und amerikanische Originalalben Stück für Stück studiert wurden. Die physischen Knotenpunkte waren Livehäuser und Musikfestivals: Flussuferbotschaften und Spring Festival in Kenting boten den Underground-Künstlern eine Bühne.

Allerdings muss ein gängiges Bild zerstört werden: die Annahme, dass der „durchschnittliche Zuhörer“ in Taiwan von Hotdog und Da Zhi geprägt wurde. Wer Rap tatsächlich auf Tempel-Festivals, Nachtmärkten, Betelnständen und Taxensprechern etabliert hat, war Q111.

Q111 wurde im September 2009 in Taichung gegründet; die drei Mitglieder – Chunfeng (Hong Yu-hong), Yangcong (Chen Hao-yu) und Jianzhi (Liao Jian-zhi) – stammten aus Tempel-Festivals. Ihr Werk „Der leidenschaftliche Mann“ 癡情的男子漢 im Jahr 2012 erreichte auf YouTube über achtzig Millionen Aufrufe und eroberte damit den Massenmarkt vollständig ²⁰. Im Jahr 2015 gründeten sie selbst Mixed-Entertainment, das laut Schätzungen der Medien in elf Jahren etwa fünfhundert Millionen Yuan Umsatz generierte ²¹. Dies war eine völlig andere Welt als die der literarischen Künstler von Yan She: auf der einen Seite stand poetischer Rap mit Anspielungen auf Klassiker, auf der anderen Seite der größte Traffic aus den Tempel-Festivals. Die wahre Landkarte des taiwanesischen Hip-Hops hatte nie nur ein Aussehen.

Offizielles MV von 玖壹壹: 〈癡情的男子漢〉 erreichte rund achtzig Millionen Aufrufe und ist der wahre Volks-Traffic, der Rap in Tempel und Nachtmärkte brachte.

玖壹壹 bei einer Silvesterfeier in Taipeh. Sie, die aus Tempelfesten und Nachtmärkten stammten, erreichten mit 〈癡情的男子漢〉 rund achtzig Millionen Aufrufe auf YouTube und sind der wahre Traffic, der Rap den gewöhnlichen Menschen in Taiwan näherbrachte. Foto: Tourismusförderungsbüro von Taipeh (臺北市政府觀光傳播局), CC0 via Wikimedia Commons.

Vier Arten des Aufwachsens

Nach der Reifung der Underground-Szene entwickelte Taiwan mehrere Labels mit völlig unterschiedlichem Charakter. Jedes davon repräsentierte eine eigene Antwort auf die Frage, „wie man Rap machen kann“.

Das literarischste war KAO!INC. Es wurde 2005 von Dila Pang (Chang Yi-sheng) in Tamsui gegründet und verfolgte einen poetischen, jazzigen Boom Bap-Ansatz ²². Das repräsentativste Künstlerlabel von KAO!INC. war Eggfort (Du Zhenxi, aus Tainan, Fakultät für Kunst und Design der National Taiwan University), der etwa vierzehn Jahre bei dem Label tätig war. Mit seinem Album „Moonlight“ im Jahr 2010, das mit der japanischen Jazzband JABBERLOOP zusammengearbeitet hatte, brachte er ein Live-Gefühl aus dem Japanischen Jazz in den Hip-Hop; sein Album „Casual Music“ von 2020 gewann bei der 32. Golden Melody Awards die Preise für den besten Mandarin-Sänger und das beste Mandarin-Album ²³.

Am Tag seiner Preisverleihung widmete Eggfort den Preis einem Namen, den die meisten Zuschauer vor dem Fernseher wahrscheinlich nicht kannten: „Ich möchte diesen Preis heute meiner Familie und meinen Verwandten widmen, an die Brüder von Zhu Gang und KAO!INC., an den Taiwanese Hip-Hop und an Bro Ge am Himmel“ ²⁴.

Bro Ge war der Musikvideo-Regisseur Huang Xinjia, den Insider als „Da Bao Dao“ nannten. In der frühen Zeit des taiwanesischen Hip-Hops drehte er Musikvideos für Namen wie Da Zhi, Eggfort und Chan Pi, die noch nicht im Mainstream bekannt waren; auch das Video von Hot Dog mit Chang Zhenyue, „I Love Taiwanese Girls“, stammt von ihm; 2011 starb er an Darmkrebs im Alter von dreiundsiebzig Jahren ²⁵. Zehn Jahre später erinnerte sich Eggfort auf der Golden Melody Bühne zuerst an diesen Mann, der die Szene hinter der Kamera aufgebaut hatte.

Offizielles KAO!INC. Musikvideo: „Classic!“ von Eggfort mit der japanischen Jazzband JABBERLOOP, ist der charakteristische Sound des poetisch-jazzigen Ansatzes von KAO!INC.

Kommerziell am mainstreamigsten war Benshi Music, gegründet 2004 in Taipeh von Chang Zhenyue und Huang Jingbo. Unter diesem Label gab es Hot Dog und Wantong, die einen kommerziellen Stil mit brüderlicher Chemie verfolgten ²⁶. Wantong MJ116 (MJ steht für Muzha, 116 ist der Postleitzahlbereich von Wenshan): Die drei – E.SO (Chen Yurong), Kenzy (Zhou Wenjie) und Muta (Lin Mubyuan) – gewannen bei den Golden Melody Awards 2018 mit „Doing Big Things“ die Preise für das beste Künstlerkollektiv, was sie zu einem Vertreter des neuen Generationen-Idol-Raps machte ²⁷.

Xiao Chun (Zhou Wenjie) von Wantong MJ116, 2021. Wantong, die aus Muzha stammten, verpackte den Hip-Hop als neue Generation von Idolen und gab sieben Konzerte im Taipei Arena ab 2025. Foto: Stadtverwaltung Taoyuan, Namenszuordnung via Wikimedia Commons.

Das Label mit dem stärksten sozialen Engagement war Renren Yougonglian, gegründet 2003 in Tainan durch Da Zhi. Aufgrund seines starken lokalen Bewusstseins und seiner Kollektivität wurde es als „der Wu-Tang von Taiwan“ beschrieben ²⁸. Das ursprünglichste war die Mischung aus Unterhaltungskunst: das Tempel-Imperium von Jiu Yi Yi. Die Karte der Labels – KAO!INC. im Norden, Benshi in Tainan, Renren Yougonglian in Tainan und Mixe in Taichung – ist selbst ein geografischer Ausschnitt des taiwanesischen Hip-Hops: Poesie, Kommerz, Soziale Arbeit und Ursprünglichkeit; vier Arten des Aufwachsens, die jeweils einen Teil ausmachen.

📝 Kuratorische Anmerkung
Wenn man diese vier Labels nebeneinander betrachtet, fällt eine leicht übersehene Tatsache auf – die „Vielfalt“ des taiwanesischen Hip-Hops ist von Anfang an in der DNA verankert; sie war ein Standard bei der Herstellung. Literarisch, Tempelveranstaltungen, Taipeh und Tainan, soziale Arbeit und kommerzielle Idole – diese Dinge, die in Amerika möglicherweise als verschiedene „Subgenres“ getrennt worden wären und sich gegenseitig meiden würden, sind in Taiwan gleichzeitig, nebeneinander und einander bekannt gewachsen. Als Eggfort bei den Golden Melody Awards stand, dachte er an Da Bao Dao, der das ganze Setting für die Videos gedreht hatte; Xiong Zai war Mentor bei einem Casting-Wettbewerb von Da Zhi – diese Szene ist so klein, dass alle Strömungen einander kennen. Vielfalt ist hier kein Slogan, sondern eine Dimension.

Diese Szene hat auch nach über die Straße hinaus gereicht. 2015 bildeten Chang Zhenyue, Hot Dog und Wantong in Peking „Brothers Benshi“, das unter Rolling Stone lief, aber es löste sich 2017 auf ²⁹. Dieser Zwischenfall führt uns genau zu einem der sensibelsten und aufschlussreichsten Kapitel des taiwanesischen Hip-Hops, nämlich dem Thema „Souveränität“.

Von Bootleg-CDs zum Golden Melody King

Zurück auf den Weg von der Underground-Szene in den Mainstream. Taiwan-Hip-Hop hat in zwanzig Jahren den Weg von illegalen Kopien bis zum Golden Melody Award zurückgelegt – ein langer Kampf um „Legitimität“.

Die Golden Melody Awards hatten nie eine eigenständige Hip-Hop-Kategorie; alle Rap-Werke mussten im Wettbewerb mit der gesamten chinesischsprachigen Musikszene antreten (die eigene Kategorie, die Jin Yin Creation Award, wurde erst 2010 eingeführt) ³⁰. Daher war jeder Preis ein Test: „Will der Mainstream dich anerkennen?“. Wenn man diese Anerkennungs-Zeitleiste betrachtet, sieht man eine klare Entwicklungslinie:

Quelle: Historische Golden Melody Awards, Central News Agency

Auf dieser Linie gibt es zwei Kreisläufe. Der erste ist im Juni 2019: Leo Wang gewann mit „Unkranke Seufzer haben Gefühl“ den besten chinesischsprachigen männlichen Sänger beim 30. Golden Melody Award und wurde der erste Rap-King in der Geschichte des Awards ³¹. Im selben Jahr gewann ØZI (Chen Yi-fan, geboren 1997 in Los Angeles, mit zwei Jahren nach Taiwan gezogen) den besten Newcomer-Preis; beide Rapper gewannen jeweils einen Preis im selben Jahr ³². Im Vergleich zu zwanzig Jahren zuvor, als HotDog und Da Zhi noch amerikanische Originalalben aus Musikgeschäften importieren mussten und sie Stück für Stück selbst lernten [^8]: dieser Abstand ist der Weg, den Taiwan-Hip-Hop zurückgelegt hat.

Offizielles MV von Yan She: Leo Wang 〈Unkranke Seufzer〉feat. Eggfort: Dieses gleichnamige Album machte ihn zum ersten Rap-King in der Geschichte des Golden Melody Awards.

Der zweite Kreislauf ist 2024. HotDog (MC HotDog, bürgerlicher Name Yao Zhongren, Absolvent der Filmwissenschaft der Fu Jen Catholic University), der von den Medien als „Hip-Hop-Pate“ bekannt ist, gewann mit „Dirty Artist“ den besten chinesischsprachigen männlichen Sänger beim 35. Golden Melody Award: sein erster Song-Award und er erhielt auch den Preis für den besten Texter ³³. Von seinem Debüt im Jahr 1998 über den Gewinn des besten Mandarin-Albums mit „Wake Up“ im Jahr 2007 bis zum Sieg im Jahr 2024 – der Pate hat in sechsundzwanzig Jahren das letzte Puzzleteil der institutionellen Anerkennung gesetzt.

HotDog MC HotDog, Auftritt 2012. Er, als „Hip-Hop-Pate“ bekannt, gelangte vom Underground in den Mainstream und gewann erst 2024 einen Golden Melody Award. Foto: Qiu Yu-feng, CC BY-SA 4.0 via Wikimedia Commons.

Aber Anerkennung ist nicht immer ein Segen. Ein Kommentar aus der Underground-Perspektive sagt es klar: Die Golden Melody Awards „haben Hip-Hop eine Bühne gegeben und seine Kontur unbewusst verändert“, und „das ist keine Evolution, sondern ein Preis“ ³⁴. Wenn eine Musik, die im Underground gewachsen ist, vom Mainstream absorbiert wird, erhält sie zwar eine größere Bühne und mehr Ressourcen, aber sie kann auch das rauheste, wildeste Element verlieren. Dieser Spannungsbogen hat keine Standardantwort: Er hängt da, als eine Frage, der jeder, der von einer Bootleg-CD zur Golden Melody Bühne gelangt ist, selbst begegnen muss.

Wem die Aussage „Taiwan hatte schon Hip-Hop“ gerufen wurde

Im Jahr 2017 eroberte eine Casting-Show namens 《中國有嘻哈》 (China hat Hip-Hop) auf iQiyi die Schlagzeilen, und „Hast du Freestyle?“ wurde zu einem Internetphrasen. Am subtilsten war jedoch die Teilnehmerliste: Vier Mentoren in dieser Saison – Pan Wei-bai, Hot Dog und Zhang Zhenyue – stammten aus Taiwan; außer Wu Yi-fan waren alle Vertreter von Taiwan ³⁵. Die taiwanesischen Rapper standen ursprünglich an der Spitze der chinesischsprachigen Hip-Hop-Szene, doch eine Show von der gegenüberliegenden Seite definierte ironischerweise die „chinesischsprachige Hip-Hop“-Szene.

Die Reaktionen in den taiwanesischen Kreisen waren gespalten und beide Seiten hatten Recht. Dila Pang von Yan She sah einen Druck: „In der gesamten chinesischsprachigen Hip-Hop-Szene... standen ursprünglich die taiwanesischen Rapper an der Spitze, aber nach 《中國有嘻哈》 haben China viele Rap-Stars hervorgebracht, was natürlich den Raum für taiwanesische Rapper eingeschränkt hat“ ³⁶. Da Zhi sah jedoch eine Chance: Der jüngste Boom des Hip-Hop in Taiwan war mit 《中國有嘻哈》 verbunden, aber er hielt dies auch für etwas Positives; da die Leute durch das Interesse nach taiwanesischen Rappern gesucht hätten ³⁷. Dasselbe Phänomen wurde von dem einen als Bedrohung und vom anderen als Sichtbarkeit interpretiert.

📝 Kuratorische Anmerkung
Man kann den Satz „Taiwan hatte schon Hip-Hop“ erst verstehen, wenn man ihn in seinen Kontext zurückstellt. Auf der Bühne des Golden Melody Awards 29 im Jahr 2018 führte Liu Fu-zhu mit einer Gruppe von Rappern einen Auftritt auf, der „Taiwan hatte schon Hip-Hop“ genannt wurde – äußerlich war es Stolz, aber innerlich Angst. Als die Sprache des „chinesischsprachigen Hip-Hop“ neu definiert wurde durch einen größeren Markt und eine populärere Show, musste Taiwan laut sagen: „Wir hatten das schon, und wir sind anders.“ Worin liegt dieser Unterschied? In allem, was oben beschrieben wurde: der Mischung aus Taigi, Hakka und indigenen Dialekten mit mehreren Tönen, die Vermischung von Ideologie und Ethnizität, eine Gruppe hochgebildeter Menschen, die die Realität neu definiert hat. Lin Hao-li könnte nochmals zitieren: „Die Diversität der taiwanesischen Ideologie, die ethnische Diversität Taiwans, die sprachliche Diversität Taiwans, lässt den Hip-Hop – eine Musik, die stark auf vielfältige Verbindungen setzt – in Taiwan eine lebhaftere, komplexere Erscheinung zeigen.“ Diese Vielfalt ist das wahre Kapital hinter dem Stolz – sie macht den taiwanesischen Hip-Hop zu einem Klangbild, das nicht von irgendeinem einzelnen Markt absorbiert werden kann.

Da Zhi trieb diesen „Unterschied“ an die Peripherie. Im Januar 2017 sang er „Taiwan SONG“ bei der „Taiwan Culture Night“ der NBA Brooklyn Nets und wurde so der erste taiwanesische Rapper, der auf einer NBA-Bühne auftrat ³⁸. Er war auch der erste taiwanesische Rapper, der den Dalai Lama in einem Musikvideo einblendete (〈Mensch〉), und sprach langfristig in seinen Liedern über Menschenrechte, Politik und universelle Werte ³⁹. Im Jahr 2016 kursierte einmal eine chinesische „Blacklist“ im Internet, die ihn aufführte; Da Zhi reagierte entschieden: „Ich spreche oft über Menschenrechte, Politik und universelle Werte, ich bin von Natur aus nicht mit der KPCh vereinbar... Ich will meine Meinung sagen, es ist mir egal, wenn ich weniger Geld verdiene“ ⁴⁰.

Man muss ehrlich sein: Die Wahrheit und der Umfang dieser Blacklist sind unterschiedlich von offiziellen Aussagen und schwer zu überprüfen; die Beziehung zwischen der taiwanesischen Hip-Hop-Szene und dem Festland war breit gefächert, vom Aufstieg bis zur Benennung auf einer Liste, und die Positionen waren verschieden. Anstatt Partei zu ergreifen, möchte man hier eine Sache sehen: Wenn ein Musikstil selbst viele Stimmen hat, ist er zwangsläufig im Konflikt mit einem Markt, der nach einer einzigen Sprache strebt. Dieser Konflikt ist der konkretste Beweis für den Begriff „Souveränitätsklangbild“.

Da Zhi Dwagie. Er ist der erste taiwanesische Rapper, der auf einer NBA-Bühne auftrat und in der Zeitschrift „TIME“ vorgestellt wurde; er sprach langfristig in Taigi über Menschenrechte und Politik. Foto: Stadtverwaltung von Chiayi, Namenszuordnung via Wikimedia Commons.

Nicht nur Männermikrofone

Die meisten der genannten Namen sind männlich. Dies spiegelt eine reale Struktur des taiwanischen Hip-Hop wider: Er war lange Zeit ein Männermikrofon. Die Art und Weise, wie Frauen vor diesem Mikrofon durchbrachen, spiegelte die beiden zuvor genannten Säulen von einer anderen Seite wider.

Zuerst der Zugang. Männliche Rapper stützten sich auf „Straßenvalidierung“ – ob man hart genug war und ob man in der Szene mithalten konnte, diese Hürde schloss Frauen von Natur aus aus. Der Zugang für weibliche Rapper in Taiwan war jedoch die Hochschulgruppe. RapShark stammt aus dem Black Music Club der National Taiwan University (NTU), Chen Shijings früheste Werke wurden ebenfalls im Kanal des NTU Black Music Clubs vorgestellt, und das Hip-Hop Research Group der National Taiwan University (NTUH) hat Yang Shuya ⁴¹ hervorgebracht. Ein Sonderschwerpunkt von BBC verdeutlichte diese Linie sehr deutlich: In Taiwan „nimmt die Hochschulgruppe den zentralen Platz in der Industrie ein“ – sie ist der wichtigste Eintrittspunkt für Neulinge ⁴².

Aber dieser Zugang durch die Gruppe barg selbst Widersprüche: Wie eine interviewte weibliche Rapper beschrieb, waren die Gruppenunterrichtsstunden oft „voll mit Männern, und in diesem Moment wusstest du, dass du die Einzige als Frau bist“. Die Männer schufen ihre Solidarität durch „straight-male Jokes“, und die Frauen mussten so tun, als hätten sie nichts gehört, um die Stimmung nicht zu zerstören ⁴². Die Akademisierung war ein allgemeines Merkmal des taiwanischen Hip-Hop; für Frauen war es sowohl ein Zugangspunkt als auch eine erste Mauer.

Fast zehn Jahre lang allein an dieser Mauer stand Ge Zhongshan (Miss Ko, geboren 1985 in Queens, New York). Sie kehrte 2011 nach Taiwan zurück, und „Knock Out Ge Pi“ von Yan She wurde im Jahr 2012 veröffentlicht; im folgenden Jahr gewann sie den Golden Melody Award für den besten Debütkünstler (24. Ausgabe) und war die erste weibliche Hip-Hop-Sängerin in Taiwan, die diesen Preis erhielt. Die Jury hinterließ einen Maßstab: „Eine nie dagewesene weibliche Hip-Hop-Sängerin aus Taiwan, mit authentischen Hip-Hop-Techniken, deren Leistung besser ist als die männlicher Hip-Hop-Künstler, und niemand kann im chinesischen Musikbereich mithalten.“ ⁴³ Dieser Satz war sowohl eine Krönung als auch ein Messstab: Das Wort „nie dagewesen“ zeigte ihre Einsamkeit. Nach „Queen of Queens“ von 2016 blieb sie weiterhin eine der wenigen weiblichen Stimmen in diesem Kreis.

✦ „Eine nie dagewesene weibliche Hip-Hop-Sängerin aus Taiwan, mit authentischen Hip-Hop-Techniken, deren Leistung besser ist als die männlicher Hip-Hop-Künstler, und niemand kann im chinesischen Musikbereich mithalten.“ – Jury des 24. Golden Melody Awards, Bewertung von Ge Zhongshan

Ge Zhongshan Miss Ko, CMJ Music Festival in New York 2013. Sie ist die erste weibliche Hip-Hop-Sängerin aus Taiwan, die den Golden Melody Award für den besten Debütkünstler gewann; die Jury sagte, sie sei „unübertroffen im chinesischen Musikbereich“, doch danach stand sie fast zehn Jahre lang allein da. Foto: May S. Young, CC BY-SA 2.0 via Wikimedia Commons.

Der wahre Knall kam Anfang 2025. Der Zündfunke war das Lied 〈Ai Ni Zhen De Mei Ban Fa〉 (Yi Yi), das im November 2024 veröffentlicht wurde und auf Douyin populär wurde, aber als frauenfeindlich kritisiert wurde. Am 22. Januar 2025 veröffentlichte RapShark (echter Name Zhang Bohan, geboren in Tainan, Taiwan, 2000, aus dem NTU Black Music Club) den Diss 〈Zai Chao La Ji〉 und wurde die erste weibliche Rapperin, die frontal reagierte ⁴⁴.

Als Nächstes trat jemand auf, der eigentlich nichts mit diesem internen Krieg zu tun hatte: Huai Te (?te, echter Name Lin Zhiyi). Sie ist keine Rapperin; sie studierte neun Jahre am College of National Defense Medicine und gewann den Golden Melody Award für den besten Debütkünstler (32. Ausgabe) als Lo-fi R&B-Künstlerin. Gerade deshalb war sie in Threads so auffällig, als sie diese Lieder „voll mit traditioneller männlicher Männlichkeitskultur“ kritisierte und damit die ungeschriebenen Regeln der Hip-Hop-Szene brach ⁴⁵, woraufhin sie massiv angegriffen wurde ⁴⁵. Sie wich dem Angriff nicht aus; in Threads sagte sie noch deutlicher: „Ich wisse, dass ich das Richtige tue, und was ich mache, repräsentiert den Kernwert des Hip-Hop.“ ⁴⁶

Die Schlacht wurde am 12. Februar 2025 durch ein Lied entfacht. Yang Shuya (geboren 1999, aus der Politischen Fakultät und dem Hip-Hop Research Group der NTU, war Lehrerin an der Grundschule in Hualien) veröffentlichte 〈Rule Nan Freestyle〉, und die Zeile „Real ist nicht deine Schamdecke gegen Frauenfeindlichkeit“ rüttelte alles auf ⁴⁷. Dieses Lied ohne jegliche Label-Ressourcen erreichte innerhalb von weniger als vierundzwanzig Stunden den Echtzeit-Champion bei StreetVoice und fast hunderttausend YouTube-Aufrufe, sodass sogar Musikkritiker Ma Shihang und Schriftstellerin Huang Liqun es teilten ⁴⁸. Eine Frau aus einer Hochschulgruppe ohne ein Unternehmen durchbrach mit einem Lied die Musik- und Literaturwelt: Dies war der stärkste Beweis für den „akademischen Zugang“ des taiwanischen Hip-Hop.

Offizielles MV von Yang Shuya: „Rule Nan Freestyle“ – Die Zeile „Real ist nicht deine Schamdecke gegen Frauenfeindlichkeit“ erreichte innerhalb von weniger als 24 Stunden den Echtzeit-Champion bei StreetVoice.

Diese Debatte verdient es, beide Seiten darzulegen, denn sie ist kein Schwarz oder Weiß. Eine Seite befürwortet die kreative Freiheit und meint, dass Hip-Hop von Natur aus rau ist und nicht übermäßig untersucht werden sollte: Solche Stimmen gibt es sowohl in der Szene als auch außerhalb; sechs Monate später wurde 〈Rule Nan Freestyle〉 für den Golden Melody Award nominiert, und selbst der politische Kommentator Chao Shaokang schloss sich dem Kampf an und bezeichnete sie als „extrem vulgär“ ⁴⁹.

Die andere Seite argumentiert hingegen, dass die Diskriminierung nicht als Vorwand für Schöpfung bestehen kann. Yang Shuya fragte direkt: „Wenn du Wut in der Musik ausdrücken willst, warum musst du dann durch das zertreten von Frauen wütend sein?“ ⁴⁵ Die Zusammenfassung des Musiker-Omas brachte diesen Krieg zurück zum Kern des „Keep it Real“: die Haltung des direkten Angriffs ist „am realsten und am Hip-Hop-artigsten“ ⁵⁰. Der Kampf gegen den Frauenfeindlichkeit war oberflächlich ein Streit, aber im Grunde eine Debatte darüber, „was echt ist“: es kehrte zum Wort zurück, das von taiwanesischen Rappern wiederholt neu definiert wurde.

Der bewegendste Wendepunkt war, dass diese Gruppe von Frauen nicht in der Schlacht des Disss verbraucht wurden, sondern gemeinsam ihre eigene Bühne bauten. Am 14. Juni 2026 findet „She Vibes Hip-Hop Day“ statt, organisiert vom Cultural Affairs Council und angeführt von Huai Te, das im The Wall Live House gezeigt wird; acht rein weibliche Acts treten auf: Huai Te, Yang Shuya, RapShark, 7LING, Majin und andere ⁵¹. Es wird auch die Menstruationsgerechtigkeit integriert, wobei der Rose Association kostenlose Hygieneprodukte bereitstellt. Huais ursprünglicher Gedanke war einfach: „Dies ist endlich eine Gelegenheit, ein komplett weibliches Event zu veranstalten, sei es als Künstlerin oder Mitarbeiterin.“ Majin sagte, sie hoffe, durch dieses Ereignis „den jungen Mädchen, die Musik machen wollen, dieselbe Hoffnung geben zu können“ ⁵². Von der Schlacht zur Bühne machten diese Menschen aus dem „Schwestertum“ (Sisterhood) ein reales Nachmittagserlebnis anstatt nur eines Slogans.

📝 Kuratorische Notiz
Beachten Sie einen Detail: Das Schwestertum ist hier „absichtlich“ konstruiert, nicht natürlich entstanden. Die interviewte weibliche Rapperin sagte es offen – „Wenn alle immer von Brüdern reden, warum wird die Schwester nie erwähnt“, daher hat sie „bewusst das ‚Schwester‘ in das Lied eingebaut“; RapShark sagte wiederum, dass sie diese Sache nur durch Huais Mut wagen konnte ⁴². Dies steht im scharfen Kontrast zur bereits existierenden „Bruder“-Struktur der männlichen Hip-Hop-Szene: Für Männer ist die Brüderlichkeit eine Annahme, für Frauen muss das Schwestertum von Grund auf aufgebaut werden. Daher ist She Vibes weniger ein Auftritt als vielmehr eine strukturelle Ergänzung – sie baut einen zweiten Mikrofon vor einem Mikrofon auf, das ursprünglich nur für Männer gedacht war. Man muss ehrlich sagen, dieser Weg ist noch lang: Weibliche Rapperinnen sind in Taiwan immer noch eine Minderheit, und kommerzieller Erfolg ist äußerst selten ⁵³. Aber der Maßstab hat sich von „nie dagewesen“ zu „acht Acts im Wechsel“ verschoben.

Offizielles chinesisches Video von BBC News: Folgen Sie RapShark und Yang Shuya und sehen Sie, wie diese weiblichen Rapperinnen aus der Frauenfeindlichkeitsdebatte ihr eigenes Schwestertum erschaffen.

Gemischte Klangsignaturen

Zurück zur ursprünglichen Frage: Was macht den taiwanesischen Rap so besonders?

Wenn man die gesamte Geschichte betrachtet, merkt man, dass der bewegendste Punkt nie darin bestand, wie sehr er Ähnlichkeiten mit Amerika aufwies. Chinesisch ist eine Tonsprache und wurde als „ungeeignet zum Rappen“ angesehen – sie wandelten die Schwierigkeit des Rhythmus in eine Dichte von Reimen um, indem sie Doppelreime und mathematische Reimstrukturen nutzten. Die sieben Töne und Tonhöhenänderungen der Taiwanesischen Sprache wurden einst als unpassender Dialekt betrachtet: Sie machten daraus ein Markenzeichen, das „Melodie selbst beim Sprechen hat“, und kombinierten dies mit Hakka und den Sprachen der sechzehn indigenen Völker zu einer mehrstimmigen Muttersprache des Widerstands. Die Schöpfer stammten größtenteils aus gebildeten Stadtbürgern und passten nicht zum „Waffen der Slumbewohner“; sie definierten das „Echte“ daher neu als Ehrlichkeit statt Herkunft.

Diese drei Aspekte waren jeweils ein „Nachteil“. Aber zusammen wurden sie zu etwas anderem: einer gemischten Klangsignatur, die nur auf dieser Insel gesungen werden kann. Sie mischt Sprachen (Mandarin, Taiwanesisch, Hakka, indigene Sprachen), sie mischt Klassen (Studenten der National Taiwan University, Kinder von Tempelfesten, Idole existieren nebeneinander), sie mischt Geschlechter (ein Mikrofon, das ursprünglich nur für Männer gedacht war, wird gewaltsam erweitert), und sie mischt Ideologien (vom Landeanflug bis zur Einladung des Dalai Lama ins Bild; ein Spektrum, das alle Positionen aufnehmen kann). Dieses „Mischen“ ist gerade der Unterschied zu der monolithischen Erzählung der gegenüberliegenden Küste: Es kann von keinem einzelnen Markt oder einer einzigen Erzählung absorbiert werden, weil es selbst aus nicht absorbierbaren Vielfalten besteht.

Im Jahr 2004 nahm die Mutter von Song Yue-ting bei ihm den Preis entgegen; der Song hieß „Life's a Struggle“ (Leben ist ein Kampf). Zwanzig Jahre später wurde Hotdog endlich König, Leo Wang hatte bereits die erste Seite des Rap-Königs geschrieben, Yang Shuya löste mit einem labelfreien Song einen Krieg aus, und Badte trug den weißen Mantel und leitete die Frauen zu ihrer eigenen Bühne. Vom geklonten CD bis zum Golden Melody King war der Weg lang; aber was auf dieser Insel wirklich unverändert blieb, ist die Tatsache, dass sie immer noch ihre eigene Sprache, ihren eigenen Bildungshintergrund und ihre vielfältigen Identitäten nutzte, um die älteste Frage zu beantworten: Was ist „real“?

Die vier Töne des Chinesischen, die sieben Töne der Taiwanesischen Sprache, die Sprachen der sechzehn indigenen Völker: Taiwan hat den sprachlichen Nachteil dessen, was „nicht gerappt werden sollte“, in einen Klang verwandelt, der nur auf dieser Insel gesungen werden kann. Das ist keine Klangsignatur wie die eines anderen; es ist eine gemischte Souveränitätsklangsignatur, die niemand kopieren kann.

Weiterführende Lektüre:

• Chen Jing-ching — Aus der „schwarzen Musik“ des National Taiwan University stammend, antwortete sie mit Xia Yu's Poesie im Rap und gewann erst in ihrem achten Jahr als Musikerin den Golden Melody Newcomer Award.
• Taiwanische Populärmusik — Von Na Cacy bis Jay Chou: Wie eine Insel ihre eigenen Lieder singt.
• Entwicklung der Taiwanesischen Sprache — Vom „Wind des Frühlings“ zur Neuen Taiwanesischen Bewegung, wie eine Sprache zum Mainstream zurückkehrt.
• Zeitgenössische indigene Künstler — Von der Golden Melody Bühne zur Wiederbelebung der indigenen Sprachen: Wie die Stimmen der sechzehn Völker gehört werden.
• Taiwanische unabhängige Musik — Underground, Livehouse und ein langfristiger Kampf um Freiheit.
• Golden Melody Award — Wie ein Preis den Standard der chinesischen Musikindustrie definiert hat.

Bildquellen

Dieser Artikel verwendet 8 Bilder, die alle in public/article-images/music/ gecacht wurden, um Server-Hotlinks zu vermeiden. CC-/Public Domain-Bilder sind mit Lizenz und Fotografen gekennzeichnet; historische Albumcover und Porträts verstorbener Personen werden im Rahmen des fairen Zitatrechts (fair use editorial commentary) verwendet:

• 玖壹壹 2016 (hero) — Foto: Nachrichtenbüro der Stadt Taichung, Namensangabe mit Lizenz (Öffentliche Datenfreigabe einer Regierungswebsite), Wikimedia Commons
• Taipei New Year's Eve Gala 玖壹壹 — Foto: Tourismusförderungsbüro der Stadt Taipeh, CC0, Wikimedia Commons
• MC HotDog mit Adidas Mikrofon 20120504 — Foto: Chiu Yu-feng, CC BY-SA 4.0, Wikimedia Commons
• Zhou Wenjie (Wántóng MJ116 Xiaochun) 2021 — Foto: Nachrichtenbüro der Stadt Taoyuan, Namensangabe mit Lizenz (Öffentliche Datenfreigabe einer Regierungswebsite), Wikimedia Commons
• Da Zhi (National Dujia New Year Festival) — Foto: Nachrichtenbüro der Stadt Chiayi, Namensangabe mit Lizenz (Öffentliche Datenfreigabe einer Regierungswebsite), Wikimedia Commons
• Miss Ko Ge Zhongshan (CMJ 2013) — Foto: May S. Young, CC BY-SA 2.0, Wikimedia Commons
• Albumcover von Blacklist Studio's 《抓狂歌》 (1989) — Fair use editorial commentary zu den Werken von Blacklist Studio (niedrige Auflösung, nur zur Diskussion der Taigi-Rap-Ursprünge in diesem Artikel verwendet)
• Gedenkporträt von Song Yue-ting — Fair use editorial commentary (verstorbene Person 1978–2002, niedrige Auflösung, nur zur Diskussion seines musikalischen Beitrags in diesem Artikel verwendet)

Referenzen