Pohao Chi: Vom Ökonomen zum Klangkünstler – mit Algorithmen die Frage: Hörst du wirklich zu?

Pohao Chi: Vom Ökonomen zum Klangkünstler – mit Algorithmen die Frage: Hörst du wirklich zu?

30-Sekunden-Überblick: Pohao Chi (Pohao Chi), 1989 geboren, Klangkünstler, Komponist und Kurator. Abschluss in Volkswirtschaft an der Nationaluniversität Taiwans, Master in Musik an der Goldsmiths, Universität London, 2021 als Master of Science in Art, Culture and Technology am MIT mit dem Harold and Arlene Schnitzer Prize in Visual Arts ausgezeichnet¹。2014 als Synthesizer-Spieler bei Hello Nico am „Drifting City“-EP beteiligt²、 dasselbe Jahr ausgewählt für den 14. Taipeher Preis mit dem Werk „Rhythm of Space“³、 finanziert durch das Nationalmuseum für Moderne Kunst für ein Künstlerresidenzprogramm in V2_Lab for Unstable Media in Rotterdam⁴、 ausgewählt für das Cloud Gate Tänzerprogramm „Wanderer Plan“⁵。2015 wanderte entlang des Hexi-Korridors über tausend Kilometer durch Qinghai、Gansu und Ningxia⁶、 anschließend Künstlerresidenzen in Paris Cité Internationale des Arts⁷、Spanien LABoral（2016）、Hongkong Asia Art Archive（2016）、Taoyuan Xianggang Second Village（2017）、New York Artists Space PRACTICE（über das Taipeher Internationale Kunstresidenzprogramm ausgewählt，2018）、Hangzhou Cross-Strait-Kultur-Austauschzentrum（2018）、England FACT Liverpool（2018）、Medialab Prado Madrid（2021）、Los Angeles 18th Street Arts Center（2022）、ITRI Arts@ITRI（2025） und weitere zehn Residenzen in lokalen und internationalen Kontexten⁴。2017 gründete er das Studio Zone Sound Creative. 2025 präsentierte er bei C-LAB DIVERSONICS das Werk „RECITER(s) 2.0“⁸、 und mit „Cybernetics of Waterscape“ nahm er am C-LAB Taiwan Pavilion Polyphony am Ars Electronica 2025 in Linz teil⁹¹⁰。März 2026 nahm er mit „RECITER(s) Reciter(s)“ an den IRCAM Forum Workshops in Paris teil¹¹；April–Juni 2026 wurde das immersive digitale Kunstwerk „Life in Motion“ im Jerry-Moss-Plaza der The Music Center in Los Angeles ausgestellt¹²。Er verwendet Algorithmen、GPS und KI-Synthesen、 um die Welt zu messen、 doch stets stellt er dieselbe Frage: Hat das „Hören“ noch eine eigene Absicht?

I. In einer Ära von KI-Sprachassistenten: Wie Menschen wirklich „hören“

Oktober 2025、 im zweiten Stock der C-LAB-Bibliothek in Taipeh. Eine Klangkunstfestival namens DIVERSONICS ist in vollem Gange¹³。Eines der Werke heißt „RECITER(s) 2.0 RECITER(s) 2.0“、 von Pohao Chi.

Die Besucher betreten den Raum、 nehmen ihr Smartphone in die Hand、 scannen einen QR-Code、 öffnen eine Webseite: Dann beginnt etwas zu passieren. Jedes Smartphone spricht dank KI-Synthese dieselbe Passage vor. Wenn nur drei Menschen im Raum sind、 klingt es einheitlich; wenn dreißig Menschen anwesend sind、 akkumulieren die geringen zeitlichen Abweichungen zwischen den Geräten einen ursprünglich harmonischen Vortrag zu einer Fehlinterpretation、 Schichtung und gegenseitigen Störung. Der Text bleibt derselbe、 doch die akustische Struktur des Raumes hat sich vollständig verändert.

Die Werkbeschreibung lautet:

„Die Inspiration für dieses Werk stammt von einem bekannten Werbespot der Firma Cisco aus dem Jahr 2000 mit dem Titel ‚Die Ära der vernetzten Dinge‘. In dem Werbespot fragten Kinder verschiedener ethnischer Hintergründe immer wieder: ‚Bist du bereit?‘ und vermittelten so eine positive Vision von stark vernetzten und globalisierten Welten. Heute scheinen Sprachassistenten die grenzüberschreitenden Versprechen der Ära bereits erfüllt zu haben、 doch diese synthetischen Stimmen sind vom Schock der Neuheit zur Alltäglichkeit übergegangen、 geworden zu einem ‚Routinemedium‘、 und schweben am Rande des Obsoleszenz.“⁸

Dieser Satz gelesen im Jahr 2025 trägt keinen Schimmer von technischer Optimismus aus den 2000ern. Siri、Alexa、Google Assistant、ChatGPT-Sprachmodus: Synthetische Stimmen sind vom Schock der Neuheit zum Hintergrundgeräusch geworden — wir hören nicht mehr zu. Pohao Chis Antwort ist eine Installation statt ein Kommentar: Lassen Sie eine synthetische Stimme gleichzeitig auf vielen Smartphones erscheinen、 verschieben und zusammenbrechen、 zwingt die Menschen、 den Klang erneut zu hören.

Dieses Werk ist eines seiner wichtigsten öffentlichen Auftritte 2025、 doch seine Idee lässt sich auf elf Jahre zurückführen、 als er gerade von der Nationaluniversität Taiwans mit einem Abschluss in Volkswirtschaft kam und versuchte、 seine Arbeiten für einen Kunstpreis einzureichen.

II. Vom quantitativen Denker zum akustischen Künstler

Pohao Chi wurde um 1989 in Taipeh geboren. Er besuchte die Renmin High School in Taipeh und dann die Fakultät für Volkswirtschaft an der Nationaluniversität Taiwans⁴。Das hätte einen Weg zu Finanzen、 Forschung und politischer Analyse eingeschlagen. Doch während des Studiums trat er der Hotline Music Society bei、 lernte Gitarre und Arrangement kennen und begann、 seine selbst aufgenommenen Lieder im Internet hochzuladen⁴。

Nach dem Abschluss trat er nicht in die Finanzbranche ein. Ab 2011 wurde er als professioneller Songwriter bei Zhongwen Culture（die zweite Generation der Marke Magma）bekannt und arbeitete offiziell als kommerzieller Musiker für drei Jahre: Diese Identität war früher etabliert als seine spätere Künstleridentität als Resident-Künstler⁴。2013 wurde er ausgewählt für das „Overseas Art Tour Project“ der National Cultural Foundation und reiste mit dem Thema „Forschung zu Klangkunstinstitutionen in Großbritannien und Frankreich“ ins Ausland¹⁴。2014 trat er der unabhängigen Band Hello Nico bei und spielte Synthesizer auf dem EP „Drifting City“: Dieses EP erhielt den ersten Platz auf StreetVoice und gewann im Folgejahr den „Beste EP“-Preis bei den Singapore Freshmusic Awards²。

2014 war ein weiterer Meilenstein. Er wurde gleichzeitig von drei völlig verschiedenen taiwanesischen Institutionen ausgewählt: Die ausgewählte Arbeit „Rhythm of Space“ beim 14. Taipeher Preis³、 das „Digital Art Talent Overseas Residency Program“ des Nationalen Museums für Moderne Kunst finanzierte ein Künstlerresidenzprogramm in der V2_Lab for Unstable Media in Rotterdam⁴、 und das Cloud Gate Dance Theater wählte ihn für die 11. Ausgabe des „Wanderer Plans“ aus⁵。Drei Pfade starteten gleichzeitig: Einer der wichtigsten visuellen Kunstpreise Taiwans、 eine Künstlerresidenzfinanzierung durch das staatliche Museum、 und eine internationale Reiseunterstützung durch eine private Bühnencompagnie.

Was hat er während seiner Residenz in V2 gemacht? Das Werk hieß „Rhythm of Space“: Er nahm die 24-stündliche Umweltakustik des Ausstellungsraums auf und spielte sie mit 100-facher Geschwindigkeit ab、 wobei die Tonhöhe konstant blieb. Im Raum hing eine projizierte Uhr. Wenn die Besucher sich an einer bestimmten Position aufhielten、 verlangsamte sich die Wiedergabe auf normale Geschwindigkeit und die Klänge verwandelten sich von „einem ganzen Tag in 14 Minuten“ zu „einer Sekunde ist eine Sekunde“. Das zentrale Thema des Werks ist die Zeitskala: Umweltgeräusche von einem Hintergrund, den der Mensch ignorieren kann, in einen Vordergrund verlagern, den er nicht mehr ignorieren kann.

Bei einem Online-Interview mit der National Cultural Foundation im Jahr 2017 zitierte er einen Satz des kanadischen Komponisten R. Murray Schafer:

„Unsere Ohren haben keine Tülle、 wir sind verdammt nochmal dabei zu lauschen; aber das bedeutet nicht、 dass wir ein offenes Ohr haben.“¹⁵

Dieser Satz erklärt、 warum seine späteren kreativen Wege so fragmentiert erscheinen、 doch in Wirklichkeit einheitlich sind: Von der Synthesizer-Arrangement-Arbeit bei Hello Nico bis zu den Klanginstallationen in V2、 von der räumlichen Akustik bis zu den KI-gesteuerten Web-Artworks — er tut nur eine Sache: Er öffnet den Raum zwischen „hören“（physiologische Wahrnehmung von Schall） und „lauschen“（aktive Zuwendung der Aufmerksamkeit）、 und lässt die Menschen erneut eine Wahl treffen.

Aber der wahre Ursprung dieses Gegensatzes liegt nicht beim Taipeher Preis noch bei V2 in Rotterdam: Er liegt im Jahr 2015 auf dem Hexi-Korridor.

III. Wanderer und Paris: Von der Vorstadt bis nach Europa（2014–2018）

2015 begann er mit dem Titel „Besuch von Volksliedern und Bräuchen im Nordwesten Chinas“ die Reise und wanderte durch Qinghai、Gansu und Ningxia、 entlang des Hexi-Korridors über tausend Kilometer⁶。Sein ursprünglicher Plan war es、 die lokalen Volkslieder systematisch zu dokumentieren: Blumen、 Gansu-Trommeln、 tibetische und Jugurzische Tänze und Lieder: Die Tournee fand gleichzeitig statt: In Zusammenarbeit mit der Töpferwerkstatt organisierte er in Peking、 Yinchuan und Lanzhou ein Konzert namens „Laut bis zum Norden“.

Doch in der zweiten Hälfte der Reise stellte er fest、 dass seine Werkzeuge versagten. Bisher war seine Hauptmethode beim Musikhören Synthesizer、 Max/MSP und digitale Operation: eine Methode aufbauend auf der Annahme „ich kontrolliere den Klang über die Schnittstelle“. Der Nordwesten hatte keine Schnittstellen. Stattdessen gab es den Wind am Hexi-Korridor、 das Konzert in der Kellerung der Töpferwerkstatt、 die Rufe vom Sufi-Moschee in Yinchuan、 das Drehrad der Jugurzen im Bezirk Nanxi、 und die Schulplatzinszenierung der sowjetischen Geschichte durch tibetische Schüler in der Stadt Xiahe: Diese Dinge konnten nicht synthetisiert werden und auch nicht sauber als Felddaten gesammelt werden.

In der zweiten Hälfte der Reise legte er seinen ursprünglichen systematischen Dokumentationsplan beiseite und stellte das aktuelle Gespräch vor der Aufnahme. In seinem eigenen Rückblick auf diese Reise im Jahr 2018 beschrieb er den wahren Gewinn dieser Erfahrung als: „die Demut, dem Scheitern zu begegnen“ und „zurückzukehren zu einem einfachen Zuhörer“⁶。

Betrachtet man diesen Wandel im Kontext seiner Arbeiten der letzten zehn Jahre、 ist die Bedeutung dieser Veränderung weit größer als ein einfacher Resident-Eindruck. Dies ist der Beginn seines Weges von „einem Musiker, der an seinem Synthesizer arbeitet“ zu „einem Körper und Klang, die sich auf die lokale Umgebung beziehen“. Alle späteren Werke mit dem zentralen Konzept des „Zuhörens": „Repetend Loop Section“、 „Lightscape Light Project“、 „Hertz Playground“ bis hin zu „RECITER(s) 2.0“ — ihre gemeinsame methodische Grundlage stammt von der Entscheidung dieses Menschen im Jahr 2015、 als er den Synthesizer ablegte und auf dem Hexi-Korridor ging.

Von 2015 bis 2016 residierte er in der Cité Internationale des Arts in Paris（auch bekannt als Paris Cité des Arts）⁷。Während seines Aufenthalts in Paris erstellte er „Repetend Loop Section“: Er nahm an acht Orten rund um die Stadttore und die ländliche Umgebung von Paris jeweils 24 Stunden Umweltgeräusche auf und spielte sie mit 256-facher Geschwindigkeit übereinander ab、 sodass „der Tagesrhythmus eines Ortes“ zu einer vergleichenden und lesbaren akustischen Struktur wurde. Dieses Werk wurde in der Galerie von Jed Voras ausgestellt und zählt zu den frühen reiferen Werken seiner Methodenlinie „Zeitskalen als Kompositionsmaterial“.

Vom 4. November 2016 bis 11. Dezember 2016 residierte er im spanischen Hispano in der LABoral Centro de Arte y Creación Industrial und erstellte „Lightscape Light Project“: Ein Werk aus Videoclip- und Installationskombinationen、 das die Lichtlandschaft der Nacht（Blinken von Straßenlaternen、 Lichter der Autos、 Auf- und Abschaltungen von Schildern） in generierte Musik umwandelt、 wobei die Route auf der Karte als Partitur dient und die Lichtlandschaften entlang der Route als Musik werden¹⁶。Im selben Jahr nahm er durch den Austauschplan von PageNEXT und dem Asia Art Archive kurzfristig in Hongkong teil⁴。In dieser Phase studierte er auch im Masterprogramm für Studio Composition an der Goldsmiths, Universität London und verband die akademische Tradition der frühen elektronischen Musik、 freie Improvisation und akustische Forschung mit seiner bereits etablierten Praxis der Künstlerresidenzen¹⁷。

2018 war ein dichtes Jhr: Von Juli bis September erhielt er eine zweite Finanzierung für das Programm „Künstlerresidenz für digitale Kunst“ des Nationalen Museums für Moderne Kunst und residierte in FACT（Foundation for Art and Creative Technology） in Liverpool、 Großbritannien: eine der frühesten Einrichtungen、 die digitale Kunst und neue Medien in Ausstellungen integrierte¹⁸。Im selben Jahr nahm er durch das PRACTICE-Programm des Taipeher Internationalen Kunstresidenzzentrums in New York Artists Space teil⁴； und nahm am Cross-Strait-Kulturaustauschzentrum in Hangzhou teil⁴。

In dieser Zeit gründete er im Juni 2017 das Studio Zone Sound Creative in Taipeh. Diese Doppelstruktur: persönliche kreative Residenzen + ein rechtlich anerkannter Verein、 der öffentliche Projekte tragen kann、 wurde auch nach seinem Abschluss an MIT aufrechterhalten.

IV. Theaterpraxis: Von Macau nach New York nach Taipeh（2016–2019）

Nach dem „Wanderer Plan“ im Jahr 2015 entwickelte sich Pohao Chis Arbeitsmodell zu zwei parallel laufenden Spuren. Eine Spur war seine persönliche Klanginstallation während seiner Residenzen in Europa、 die andere Spur war seine umfangreiche Arbeit in der Theater- und Tänzwelt Chinas: Sounddesign、 interaktive Systeme und Musikalische Leitung.

Die Linie in Macau war in dieser Phase am dichtesten. Bei der Imprint Macau Dance Association 2016 mit dem Werk „Willkommen“ war er für Musik und Sounddesign verantwortlich; 2017 erstellte er das installierte Theater „Years·Childhood·Sound“ am Macau Cultural Center、 das Klangtheater „Typhoon of Jiaju“（inspiriert von dem zerstörerischen Taifun von 1874 in Macau） am alten Gericht des Macau-Kunstfestivals und war musikalischer Leiter des immersiven Theaters „Years·Dance·Sound“ am Macau Cultural Center⁴。

Die Theaterzusammenarbeit in Taiwan begann ebenfalls 2017: Das Nanji Music Ensemble „Industrial City“ am Wei Wu Ying、 das JPG Percussion Experiment Lab „ReDefine“ am Taipeher Kunstzentrum der Nationalen Universität、 das Slow Island Theater „Women in the Clouds“ beim Iron Rose Art Festival、 „3.14159 Sensory Costume Experiment Performance“、 der Austausch von Tanz zwischen Shenzhen、 Hongkong und Macau im Shenzhen Grand Theater、 und das Same Root Ensemble „Return to the Forest“ am Zhongshan Hall. 2018 führte das PRACTICE-Programm des New Yorker Artists Space diese Theaterpraxis nach Amerika: Das Werk „PRACTICExWind“ wurde im Artists Space aufgeführt. 2019 war er Kompositionsleiter bei „Forget-Me-Not Songs“ des Cloud Tree Art Troupe im Zhongshan Hall des traditionellen Kunstseasons in Taipeh; in derselben Zeit war er für Sounddesign und Musik bei „Wendy“ des 30-jährigen Jubiläums der Dance Space und „Emiko“ von Qiu Yuxuan verantwortlich.

Oberflächlich betrachtet war diese Phase weit entfernt von den Klanginstallationen in V2、 Paris Cité des Arts und Laboral. Doch die zugrunde liegende Methode war identisch: Klang als Variablen eines Systems、 nicht als bloßer Hintergrund: Im Theater reagiert er auf die Bewegungen der Schauspieler、 die akustischen Bedingungen des Raums und die Position des Publikums; in der Installation reagiert er auf GPS、 Sensoren und Netzwerksignale.

Diese gesammelte Erfahrung in der Theaterarbeit führte 2019 dazu、 dass das Nationaal Theater ihn zum „Kunstbasis-Programm“ als kurzfristiger Resident-Künstler auswählte¹⁹： Dies ist eine renommierte Ressource des Nationalen Theaters für junge Künstler und der erste offizielle Zugang für ihn vom visuellen Künstlermodell des Klangkünstlers in das taiwanesische Theaterwesen. Im Folgejahr wurde er mit „Hertz Playground“ in das Programm „Nicht nur im Theater“（NextTheater）ausgewählt und verwandelte das mobile Browser in ein kollektives Instrument、 das von dreißig Smartphones im Videogang des Nationaal Concertsaal eine betretene Harmonie bildete. Von der Macau-Bühne zum Nationaal Theater schloss diese Spur 2019–2020 einen Kreis.

V. Drei Jahre an MIT: Vom ACT-Labor zum Schnitzer-Preis

2019 trat Pohao Chi in das Masterprogramm Art, Culture and Technology（ACT） des Massachusetts Institute of Technology（MIT） ein²⁰。Dies ist ein sehr kleines und einzigartiges interdisziplinäres Programm unter der Fakultät für Architektur und Stadtplanung: Es schult interdisziplinäre Forscher、 die in den Bereichen Kunst、 Kultur und Technologie zusammenarbeiten können、 anstelle von reinen Ingenieuren oder reinen Künstlern.

In seinen drei Jahren an MIT hat er mehrere Dinge getan.

Erste ist „Song of Distances“: Ein Web-basiertes Kunstwerk、 bei dem die GPS-Position des Nutzers auf die Karte gerastert wird und der Algorithmus basierend auf der Entfernung zwischen dem Nutzer und anderen Punkten eine personalisierte Melodie generiert²¹。Die Ausrichtung des Smartphones beeinflusst die räumliche Position des Klangs; je mehr Nutzer teilnehmen、 desto komplexer wird die akustische Struktur des Systems. Dieses Werk ist der Anfang seiner Serie von Werken zur Generierung kollektiver akustischer Erfahrungen im Web: Die Blutlinie von „RECITER(s) 2.0“ stammt direkt von hier.

Im August 2021 erhielt er zusammen mit seinem mexikanischen Kommilitonen Chucho Ocampo Aguilar den ersten Preis beim MIT Harold and Arlene Schnitzer Prize in Visual Arts（Ocampo erhielt den zweiten Preis）¹。Der Schnitzer Prize ist eine der höchsten Auszeichnungen des MIT für visuelle Künste und der erste Preis beträgt 5.000 US-Dollar. Im selben Jahr wurde er mit dem Werk „Plantfluencer Gazing“ in den Gartenprogramm des Ars Electronica 2021 aufgenommen: „Stranger Senses“²²： Dies war sein erster Auftritt bei einem der renommiertesten elektronischen Kunstfestivals Europas.

Dann ist da „3000 Years Among Microbes“（„3000 Jahre unter Bakterien“）. Dieses Werk wurde von Pohao Chi、 Rae Hsu（Xu Rui） und der mexikanischen Künstlerin Nancy Valladares gemeinsam erschaffen und erforschte die Grenzen zwischen Mensch und Mikrobe durch das Konzept des „Holobionten“: Sie besuchten das Nationaal Raumfahrtzentrum Taiwans und die NASA-Mondsimulationsbasis、 sammelten Mikrobenproben und stellten den Menschzentrismus in einen mikrobiellen Perspektivrahmen. Das Werk wurde vom 14. Januar bis 27. Februar 2022 im neuen Board Art Gallery in Taipeh ausgestellt und wurde vom taiwanesischen Kultusministerium finanziert²³。

Im selben Jahr erhielt er eine Finanzierung für das Künstlerresidenzprogramm des Medialab Prado in Madrid und erstellte „Plastic Soup: Invisible Matters“、 und baute ein langjähriges kreatives Netzwerk mit mexikanischen Künstlern und Gruppen auf（derivationLAB、 BEMA、 Chucho Ocampo）: Diese Lateinamerika-Verbindung wurde später 2022–2023 auf das Museum für Moderne Kunst in Culiacán ausgeweitet und das Projekt „Unsichtbare Schnittstellen Interfaces of the Invisible“ präsentiert.

VI. Rückkehr nach Taiwan: Aeolian Harfen、 Mexiko und Residenzen

Von Juli bis September 2022 erhielt Pohao Chi eine Finanzierung des taiwanesischen Kultusministeriums und residierte im 18th Street Arts Center in Santa Monica、 USA²⁴。Während seines Aufenthalts entwickelte er ein System namens „Aeolian Harfen-Radio-Installationsgerät（Aeolian Harp Radio Installation）": Die Aeolian Harfe ist ein antikes Musikinstrument、 das durch den natürlichen Wind erzeugt wird. Er modifizierte es zu einem Gerät、 das den Klang über Kurzwellensignale an einen entfernten Empfänger senden kann. Verschiedene Materialien und Dicken der Saiten auf städtischen Straßen、 in Bergen und in der Wüste erzeugen unterschiedliche Klänge、 die durch Radio übertragen und empfangen werden.

Im November 2023 wurde dieses System in der Ausstellung „Unsichtbare Schnittstellen Interfaces of the Invisible“ im Museum für Moderne Kunst in Culiacán、 Mexiko präsentiert²⁵。

In dieser Phase verlagerte er seine Arbeitsmasse von individueller Kreation zu institutioneller Zusammenarbeit und Kuratation. Er wurde zum taiwanesischen Vertreter der internationalen Ausstellung „Convergence“ des British Council⁴； und begann auch als Kurator zu agieren: 2023 kuratierte er die Jahrestagung der taiwanesischen Gesellschaft für Wissenschaft und Technologie（STS） mit dem Thema „Die Welt neu justieren“（C-LAB）、 2024 wurde er vom Nationaal Ausschuss für Wissenschaft und Technologie（NSTC）mit der Kuratation von „Zusammentreffen: Eine künstlerische Erkundung von der Natur zur Gesellschaft“ beauftragt²⁶。Ein Künstler als Kurator beauftragt durch das NSTC（das taiwanesische System für Wissenschaft und Technologie） ist eine seltene Erscheinung im taiwanesischen Umfeld für Technologie und Kunst — und diese Gelegenheit entstand direkt aus dem Besuch des stellvertretenden Vorsitzenden des NSTC auf seiner Arbeit während der STS-Jahrestagung im Vorjahr.

2025 wurde er zum Künstler in der Arts@ITRI des taiwanesischen Industrieforschungsinstituts（ITRI）: Ein offizielles Signal für den Wechsel von der Kunstszene in das Forschungssystem für Wissenschaft und Technologie.

Das Werk „RECITER(s) 2.0“ 2025 ist das Ergebnis dieser Dualidentität: Das Werk selbst ist seine kreative Arbeit、 doch die Umsetzung erfolgt mit einem festen Team von Mitarbeitern — der Programmiererin Luo Ruoyu und der Produzentin Lai Huei-jia — sodass das Studio Zone Sound Creative wirklich als eine unabhängige Einheit funktioniert、 die internationale Projekte tragen kann⁸。

VII. Polyphony、 Paris und Los Angeles（2025–2026）

Von 2024 bis 2025 systematisierte er das Thema „Wasser“. Von der Einzelausstellung „Feuchte Resonanz“ des Hong Jianquan Foundation im Jahr 2023、 über das RIXC Art Science Festival in Riga 2024 mit „Symbiotic Sense(s)“ und „Hydrospheric Sketch Wasserskizzen“、 bis zu „Cybernetics of Waterscape“ im Jahr 2025 — er wählte die Stadt Xinzhuang in New Taipei City als langfristige Basis、 die von Fluten betroffen ist、 und kombinierte die Erinnerungen der Einwohner an Hochwasser、 die Struktur der Flüsse、 die Pumpstationen und die Sensor-Daten zu einem Artikel über die akustische Landschaft einer Stadt in Entwicklung. Diesmal wollte er keine systematische Datenerfassung durchführen — das ist die Antwort dieses Mannes im Jahr 2015 auf dem Hexi-Korridor、 der den Synthesizer ablegte.

Vom 3. bis 7. September 2025 wurde er mit „Cybernetics of Waterscape“ in den C-LAB Taiwan Sound Lab kuratierten Polyphony des taiwanesischen Kultusministeriums aufgenommen und im POSTCITY des Ars Electronica 2025 in Linz ausgestellt⁹。Polyphony ist die erste große kuratorische Zusammenarbeit zwischen C-LAB und Ars Electronica Linz GmbH & Co KG nach der Unterzeichnung des MOU im Januar 2025、 und bringt 14 Künstler oder Gruppen aus Taiwan zusammen、 von denen Pohao Chi einer von sechs Künstlern im visuellen Kunstbereich von POSTCITY ist¹⁰。Dies ist sein zweiter Auftritt beim Ars Electronica — der erste war während seines Studiums an MIT im Jahr 2021.

Vom 18. bis 21. März 2026 wurde die erweiterte Version von „RECITER(s) Reciter(s)“ im IRCAM Forum Workshops in Paris aufgeführt und im Centre des Arts d'Enghien-les-Bains ausgestellt¹¹。IRCAM ist das französische Nationales Institut für Klang- und Musikwissenschaft、 das 1977 von dem Komponisten Pierre Boulez gegründet wurde. Die Forum Workshops sind ein jährliches Forum、 das dem globalen Klang- und Technologie- und Kompositionsgemeinschaft offensteht. Für Pohao Chi markiert dies den Moment、 in dem die Serie „RECITER(s)“ von einem Web-Experiment im Jahr 2019 in die akademische Gemeinschaft der Klangtechnologie eintritt.

Am 24. April 2026 wurde das immersive digitale Kunstwerk „Life in Motion“、 gemeinsam von Pohao Chi und Zone Sound Creative erstellt、 im Jerry-Moss-Plaza der The Music Center in Los Angeles ausgestellt und blieb bis 28. Juni 2026 geöffnet¹²。The Music Center ist eine der wichtigsten Theaterinstitutionen der USA、 mit einer Fläche von etwa 5 Hektar und einer Geschichte von über 60 Jahren、 einschließlich des Walt Disney Concert Hall. Es ist ein Tempel der Theaterkunst in Los Angeles. Dies ist die erste direkte künstlerische Zusammenarbeit zwischen der The Music Center und einem taiwanesischen Künstler für eine außergewöhnliche Ausstellung im Freien — laut Berichten von Central News Agency sagte die stellvertretende Leiterin für digitale Innovation der The Music Center、 Beata Calinska、 dass sie die Arbeit von Pohao Chi im Internet entdeckt hatte und nach mehreren Videogesprächen mit dem taiwanesischen Konsulat in Los Angeles schließlich die Zusammenarbeit beschlossen hatte²⁷。„Life in Motion“ integriert Echtzeitgenerierung von visuellen Elementen und interaktive Sensortechnologie in einem kleinen Raum、 der von schwarzem Vorhang von der Außenwelt getrennt ist、 und lässt die Umgebung des Raums durch die Gesten und Körperpositionen der Besucher verändern — von der Zellwachstum bis zur Planetenbildung、 jede Sekunde im ständigen Wandel und Evolution²⁷。

Von der Stadt Xinjiang bis nach Linz nach Paris nach Los Angeles — vier scheinbar zusammenhängende Orte. Wenn man jedoch zurückkehrt zu jenem Moment im Jahr 2015、 als er den Synthesizer ablegte、 wird man feststellen、 dass diese Spur nur eine Richtung hat.

VIII. Nicht zu kreativ zu sein ist kein Todesfall

Als Pohao Chi im Jahr 2018 seine Reise des „Wanderers“ im Nordwesten Chinas im Jahr 2015 reflektierte、 schrieb er zwei Beschreibungen、 die viele Menschen übersehen. Er räumte ein、 dass er ursprünglich ein Feldforscher für Volksmusik gewesen wäre、 doch nach der Reise entlang des Hexi-Korridors beschrieb er den wahren Gewinn dieser Erfahrung als: „die Demut、 dem Scheitern zu begegnen“ und „zurückzukehren zu einem einfachen Zuhörer“⁶。

Betrachtet man diesen Wandel im Kontext seiner Arbeiten der letzten zehn Jahre — Algorithmen、 GPS、 KI-Synthesen、 Sensoren — wird man feststellen、 dass er nie an „Technologie-Kunst“ arbeitet. Das Gegenteil ist wahr: Er verwendet eine ganze Reihe von Technologien、 um sich selbst zurückzubringen in jene Position vom Jahr 2015 auf dem Hexi-Korridor、 in der er beschlossen hat: „nicht mehr zu sammeln、 nur zu lauschen“.

Bei einem Interview mit der National Cultural Foundation im Jahr 2017 sagte er ein oft zitiertes Wort:

„Nicht kreativ zu sein ist kein Todesfall.“¹⁵

Dieser Satz klingt widersprüchlich、 wenn man ihn hört: Ein Absolvent der Volkswirtschaft、 zwei internationale Master-Abschlüsse、 der MIT-Preis für visuelle Künste、 mehr als zehn Künstlerresidenzen und ein eigenes Unternehmen — das klingt wie jemand、 der kreative Arbeit als Berufung versteht. Doch in demselben Interview ergänzte er: „Meine Werke enthalten selten meinen eigenen Schatten.“¹⁵

Das ist der Schlüssel zum Verständnis von Pohao Chi. Seine Werke sind nicht autobiografisch、 nicht emotionale Projektionen、 nicht auf „ich“ zentriert. Seine Werke sind Systeme: Ein Web-basiertes Werkzeug zur Generierung von Melodien durch GPS、 ein Raum、 der Umweltgeräusche aufnimmt und mit 100-facher Geschwindigkeit wiedergibt、 ein System、 das von dreißig Smartphones gleichzeitig vorliest — er baut diese Systeme auf und dann tritt er zurück、 und lässt die Besucher hineingehen.

Seine persönliche Website beschreibt sich selbst:

"work with sound, everyday technology, and interactive systems, often exploring participatory forms that encourage people to connect and reflect"
（Arbeiten mit Klang、 Alltagstechnologie und interaktiven Systemen、 oft im Kontext partizipativer Formen、 die Menschen dazu ermutigen、 miteinander zu verbinden und nachzudenken）²⁶

Das Schlüsselwort participatory（partizipativ）in dieser englischen Selbstbeschreibung ist seine Arbeitshaltung nach seiner Rückkehr vom Hexi-Korridor、 nicht einfach nur ein Designbegriff. Er verwendet Algorithmen、 GPS und KI-Synthesen、 um die Welt zu messen、 doch das Ziel der Messung ist nicht、 die menschliche Wahrnehmung zu ersetzen、 sondern die Menschen dazu zu zwingen、 eine Wahrnehmungsentscheidung zu treffen.

Unsere Ohren haben keine Tülle. Aber ob wir ein offenes Ohr haben、 ist eine andere Frage.

Weiterführende Literatur

• Lin Jingyao — Ebenfalls ein Klang- und Technologie-Künstler in der C-LAB-Szene、 von der Tai Chi Cloud Hand zum generativen Künstler
• Wang Xinhren (A-Lung) — Digitalkünstler、 Mitbegründer von akaSwap、 Generation X、 aber eher im NFT-Kuratorium
• Hello Nico — Pohao Chis frühere Identität als unabhängige Band、 Synthesizer-Spieler beim EP „Drifting City“ 2014
• Taiwanesische neue Medienkunst — Die Position der Klangkunst in der taiwanesischen neuen Medienkunst

Quellen