Chi Po-hao: do economia para o som, usando algoritmos para perguntar — você realmente ouviu?

Chi Po-hao: do economia para o som, usando algoritmos para perguntar: você realmente ouviu?

Visão geral de 30 segundos: Chi Po-hao (Pohao Chi), nascido em 1989, artista sonoro, compositor, curador. Formado em Economia pela NTU, obteve mestrado em Música no Goldsmiths, Londres, e em 2021, como mestrando do MIT Art, Culture and Technology, conquistou o primeiro lugar do Prémio Harold and Arlene Schnitzer em Artes Visuais¹. Em 2014, como tecladista, participou do EP "Cidade Flutuante" da Hello Nico²; no mesmo ano, a obra "Ritmo do Espaço" foi selecionada para o Prémio de Arte de Taipé³, recebeu patrocínio do Museu Nacional de Belas Artes de Taiwan para residência no V2_Lab of Unstable Media em Rotterdam⁴ e foi selecionado para a 11ª edição do "Projeto Viajante" da Cloud Gate Dance Theatre⁵. Em 2015 visitou Qinghai, Gansu e Ningxia, percorrendo mais de mil quilômetros ao longo do Corredor de Hexi⁶; posteriormente realizou residências na Cité Internationale des Arts em Paris (2015), LABoral na Espanha (2016), Asia Art Archive em Hong Kong (2016), Vila Militar Jian-guang em Taoyuan (2017), Artists Space PRACTICE em Nova York (via Taipei Artist Village, 2018), Centro de Intercâmbio Cultural Cross-Strait em Hangzhou (2018), FACT Liverpool no Reino Unido (2018), Medialab Prado em Madrid (2021), 18th Street Arts Center em Los Angeles (2022), Arts@ITRI do ITRI (2025), entre mais de dez residências internacionais e locais⁴. Em 2017 fundou o estúdio Zone Sound Creative. Em 2025 apresentou "Reciter(s) 2.0" no festival de arte sonora DIVERSONICS do C-LAB⁷ e participou com "Cybernetics of Waterscape" no pavilhão Taiwan Polyphony, organizado pelo C-LAB, no POSTCITY do festival Ars Electronica em Linz, Áustria⁸⁹. Em março de 2026 participou dos IRCAM Forum Workshops em Paris com "Reciter(s)"¹⁰; em abril de 2026, de 24 de abril a 28 de junho, a obra imersiva de arte digital "Life in Motion" foi exibida no Jerry Moss Plaza do The Music Center em Los Angeles¹¹. Ele usa algoritmos, GPS, IA e síntese de voz para medir o mundo, mas continua a perguntar a mesma coisa: o ato de "ouvir" ainda tem vontade própria.

I. Na era dos assistentes de voz por IA, perguntar como os humanos "ouvem"

Final de outubro de 2025, segundo andar do espaço de exposição da biblioteca do C-LAB Taiwan Contemporary Culture Lab. Um festival de arte sonora chamado DIVERSONICS estava em cartaz¹². Uma das obras chamava-se "Reciter(s) 2.0", de autoria de Chi Po-hao.

O público entra no espaço, tira o telemóvel, lê um QR Code, abre uma página web: então as coisas começam a acontecer. O telemóvel de cada pessoa usa automaticamente voz sintetizada por IA para recitar o mesmo texto. Quando há apenas três pessoas no local, a voz é sincronizada; quando há trinta pessoas, os minúsculos desvios de tempo entre cada telemóvel acumulam-se, e uma recitação originalmente regular começa a deslocar-se, a sobrepor-se, a interferir mutuamente. O texto continua o mesmo, mas a configuração sonora de todo o espaço já é completamente diferente.

A descrição da obra diz:

"Esta obra inspira-se no conhecido anúncio comercial da Cisco de 2000 'Empowering the Internet Generation'. Na época, crianças de diferentes etnias perguntavam incessantemente: 'Você está pronto?', transmitindo uma bela visão de alta interconetividade e globalização. Hoje, as aplicações de assistentes de voz realizaram superficialmente a promessa transnacional, mas estas vozes sintetizadas também passaram gradualmente da novidade para o quotidiano, tornando-se um 'meio habitual' e pairando à beira da obsolescência."⁷

Ler isto em 2025 não deixa transparecer nenhum otimismo tecnológico dos anos 2000. Siri, Alexa, Google Assistant, modo de voz do ChatGPT: a voz sintetizada passou de novidade assustadora a ruído de fundo, deixamos de a ouvir. A resposta de Chi Po-hao é uma instalação, não um comentário: fazer com que um segmento de voz sintetizada apareça coletivamente em vários telemóveis no local, desloque-se, desintegre-se, forçando as pessoas a ouvir de novo o que esse som realmente é.

Esta obra é uma das suas mais importantes apresentações públicas de 2025, mas o seu pensamento pode ser rastreado até onze anos atrás, quando ele era apenas um recém-formado em Economia pela NTU a candidatar-se a prémios de arte.

II. Do pensamento quantitativo para o som

Chi Po-hao nasceu por volta de 1989 em Taipé. Estudou no Jianguo High School e entrou no Departamento de Economia da Universidade Nacional de Taiwan⁴. Era suposto ser um caminho para finanças, investigação, análise de políticas. Mas durante a universidade juntou-se ao clube de música pop, contactou com guitarra e arranjos, começou a carregar as suas próprias canções gravadas na internet⁴.

Após a formatura, não entrou no setor financeiro. A partir de 2011 tornou-se letrista e compositor contratado pela Neutron Culture (segunda geração da Rock Records), operando formalmente como trabalhador de música comercial durante três anos: esta identidade consolidou-se antes da de artista em residência⁴. Em 2013 foi selecionado para o "Projeto de Viagem Artística no Exterior" do Conselho Nacional de Cultura e Artes, com tema de investigação sobre instituições de arte sonora no Reino Unido e França¹³. Em 2014 juntou-se à banda independente Hello Nico como tecladista, lançou o EP "Cidade Flutuante": este EP conquistou o primeiro lugar no StreetVoice e no ano seguinte ganhou o prémio de Melhor EP do ano nos Freshmusic Awards de Singapura².

2014 foi um ponto de viragem maior. Foi simultaneamente selecionado por três instituições taiwanesas de naturezas completamente diferentes: obra selecionada para o 14º Prémio de Arte de Taipé "Ritmo do Espaço"³, "Programa de Residência Internacional de Talentos em Arte Digital" do Museu Nacional de Belas Artes de Taiwan com patrocínio para residência no V2_Lab of Unstable Media em Rotterdam⁴, e 11º "Projeto Viajante" da Cloud Gate Dance Theatre⁵. Três caminhos arrancaram ao mesmo tempo: o mais importante prémio de arte visual de Taiwan, o patrocínio de residência do museu nacional, e o prémio de viagem internacional para jovens de uma companhia de dança civil.

O que fez na residência no V2? A obra chamava-se "Ritmo do Espaço": gravou a paisagem sonora do espaço de exposição durante 24 horas, reproduziu-a no local a velocidade 100x mantendo a altura tonal fixa. Havia um relógio projetado. Quando o público se posicionava num local específico, a velocidade de reprodução abrandava para velocidade normal, o som passava de "um dia comprimido em catorze minutos" de pulso denso para "um segundo é um segundo" de som quotidiano. O núcleo da obra é a escala temporal: transformar a paisagem sonora ambiental de fundo ignorável pelos humanos em primeiro plano inevitável.

Em 2017, numa entrevista para a revista online do Conselho Nacional de Cultura e Artes, citou uma frase do compositor canadiano R. Murray Schafer:

"Os nossos ouvidos não têm pálpebras, estamos condenados a ouvir sempre; mas isso não significa que tenhamos um par de ouvidos abertos."¹⁴

Esta frase explica por que todo o seu percurso criativo posterior parece disperso mas é na verdade consistente: dos arranjos de sintetizador para Hello Nico à instalação sonora no V2, da espacialização sonora à obra web de voz por IA, ele só faz uma coisa: separar "hear" (recepção fisiológica do som) e "listen" (vontade ativa de escutar), fazendo as pessoas escolher de novo.

Mas a verdadeira origem desta oposição "hear / listen" não está no Prémio de Arte de Taipé, nem no V2 Rotterdam: está no Corredor de Hexi em 2015.

III. Viajante e Cité: do Noroeste à Europa (2014–2018)

Em 2015 partiu, com o tema "Investigação de canções populares e rituais do Noroeste", visitou sucessivamente as três províncias de Qinghai, Gansu e Ningxia, percorrendo mais de mil quilômetros ao longo do Corredor de Hexi⁶. O plano original era registar sistematicamente a música popular local: Hua'er, Tambor de Lanzhou, canções e danças tibetanas e do povo Yugur; apresentações em digressão simultânea: Pequim, Yinchuan, a "Oficina de Cerâmica" em Lanzhou organizou um espetáculo chamado "Vozes a Norte".

Mas a meio da viagem, descobriu que as suas ferramentas falharam. Antes disso, a sua forma principal de fazer música era sintetizador, Max/MSP, operação digitalizada: um método assente na premissa "eu controlo o som a partir da interface". No Noroeste não havia interface. Havia o vento no Corredor de Hexi, o espetáculo no porão da Oficina de Cerâmica, o chamado da mesquita Sufi em Yinchuan, a roda de oração na Região Autônoma Yugur de Sunan, a praça da escola em Xiahe onde crianças tibetanas reencenavam a história do Exército de Libertação: estas coisas não podiam ser sintetizadas, nem recolhidas limpidamente como dados de trabalho de campo.

Na segunda metade da viagem, abandonou o plano original de registo sistemático, colocou a troca do momento antes da gravação. No seu próprio texto de 2018 a rever esta viagem, descreveu o verdadeiro ganho desta experiência como: "aceitar serenamente a tentativa vã", "voltar à identidade de simples ouvinte"⁶.

Visto no contexto dos seus dez anos de obras posteriores, o significado desta mudança vai muito além de um relatório de residência. Este é o ponto de partida da sua transição de "pessoa que faz música no sintetizador" para "corporeidade e localidade do som" — caminho embodied. Todas as obras posteriores que têm a "escuta" como método central: "Repetend", "Lightscape", "Hertz Playground" até "Reciter(s) 2.0": a premissa metodológica comum é a escolha que a pessoa no Corredor de Hexi em 2015 fez ao largar o sintetizador e caminhar.

De 2015 a 2016, deu continuidade com residência na Cité Internationale des Arts em Paris (conhecida como Cité de Paris)¹⁵. Durante o período em Paris completou "Repetend": gravou 24 horas de paisagem sonora ambiental em oito locais entre as portas de Paris e subúrbios circundantes, comprimiu e sobrepôs a velocidade 256x, transformando "o ritmo diário inteiro de um lugar" em estrutura sonora comparável, legível. Esta obra foi exposta na Galeria Jed Voras, sendo uma obra madura inicial da sua linha metodológica "escala temporal como material composicional".

De 4 de novembro a 11 de dezembro de 2016, residência no LABoral Centro de Arte y Creación Industrial em Gijón, Espanha, completou "Lightscape": obra constituída por instalação audiovisual e vídeo de três canais, transformando paisagens luminosas noturnas urbanas (pisca-pisca de candeeiros, faróis de carros, letreiros intermitentes) em música generativa, usando rotas no mapa como partitura, as paisagens luminosas ao longo do percurso tornam-se a peça musical¹⁶. No mesmo ano, através do intercâmbio PageNEXT com a Asia Art Archive, residência de curto prazo em Hong Kong⁴. Neste período também frequentou o mestrado em Música do Goldsmiths (Studio Composition), combinando a tradição académica europeia de música eletrónica inicial, improvisação livre, estudos sonoros, com a sua prática de residência já estabelecida¹⁷.

2018 foi um ano denso: de julho a setembro obteve patrocínio do "Programa de Criação em Residência no Exterior para Talentos de Tecnologia e Arte" do Museu Nacional de Belas Artes de Taiwan pela segunda vez, residência no FACT (Foundation for Art and Creative Technology) em Liverpool, Reino Unido: a instituição britânica pioneira em exposições de arte digital e novos media¹⁸. No mesmo ano, através do projeto PRACTICE do Taipei Artist Village, residência no Artists Space em Nova York⁴; também participou em residência no Centro de Intercâmbio Cultural Cross-Strait em Hangzhou⁴.

No mesmo período, em junho de 2017 fundou em Taipé o estúdio Zone Sound Creative. Esta estrutura de dois trilhos: criação pessoal em residência + uma pessoa jurídica capaz de assumir projetos públicos: prolongar-se-ia até depois da formatura no MIT.

IV. Aplicação teatral de dois trilhos: de Macau, Nova York às Duas Salas (2016–2019)

Após o Viajante de 2015, o modo de trabalho de Chi Po-hao tornou-se dois trilhos paralelos. Um é a instalação sonora pessoal que fazia nas residências europeias, outro é o design sonoro, sistemas interativos e direção musical que assumia em grande quantidade no circuito de teatro e dança sinófono.

A linha de Macau é o bloco mais denso deste período. Em 2016, "Well Come" da Imprint Macau Dance Association, fez música e design sonoro; 2017, teatro de instalação "Anos·Criança·Voz" do Centro Cultural de Macau, teatro de paisagem sonora "Tufão de 1874" no Antigo Tribunal do Festival de Artes de Macau (sobre o tufão devastador de Macau em 1874), teatro imersivo "Anos·Dança·Voz" do Centro Cultural de Macau, foi diretor musical⁴.

A colaboração teatral em Taiwan a partir de 2017 também se adensou: "Cidade Industrial" do Nan Yi Yue Ji no Weiwuying, "ReDefine" do JPG Percussion Lab no Centro de Artes da NTU, "Mulher nas Nuvens" da Slow Island Theatre no Iron Rose Arts Festival, "3.14159 Exposição Experimental de Empatia Vestível", intercâmbio de dança Shenzhen-Hong Kong-Macau no Grande Teatro de Shenzhen, "Retorno da Luz ao Som na Floresta" do Tong Gen Sheng no Zhongshan Hall. Em 2018, através do projeto PRACTICE do Artists Space em Nova York, levou esta linha de prática performativa aos EUA: obra "PRACTICExWind" apresentada no Artists Space. Em 2019, "Canção do Esquecimento" do Yun Shu Ya Ji, foi compositor encomendado, apresentada no Salão Guangfu do Zhongshan Hall na Temporada de Artes Tradicionais de Taipé; no mesmo ano, "Wendy" do 30º aniversário do Espaço de Dança e "Emiko" de Chiu Yu-hsuan, ambos com design sonoro e música a seu cargo.

Este período parece à superfície distante das suas instalações sonoras no V2, Cité de Paris, Laboral, mas o método subjacente é o mesmo: o som como variável de um sistema, não como música de fundo: no teatro responde a movimentos dos atores, acústica do espaço, posição do público; na instalação responde a GPS, sensores, sinais de rede.

Foi precisamente esta musculatura teatral acumulada que em 2019 o levou a ser selecionado pelo Centro Nacional de Artes Cênicas como artista residente de curto prazo do "Programa Base Artística"[^26]: este é o recurso emblemático que as Duas Salas dão a jovens criadores, e também a sua primeira entrada formal no sistema de artes performativas de Taiwan vindo de "artista sonoro do círculo de arte visual". No ano seguinte, com "Hertz Playground" foi selecionado para o programa "Não Só no Teatro" (NextTheater) das Duas Salas, transformando o navegador móvel em instrumento coletivo, fazendo trinta telemóveis formarem um espaço de ensemble acessível no corredor audiovisual da Sala de Concertos Nacional. Do teatro de Macau às Duas Salas, este trilho completou um ciclo em 2019–2020.

V. Três anos no MIT: do laboratório ACT ao primeiro prémio Schnitzer

Em 2019, Chi Po-hao foi para os EUA entrar no mestrado Art, Culture and Technology (ACT) do Massachusetts Institute of Technology (MIT)¹⁹. Este é um programa interdisciplinar muito pequeno e muito especial sob a Escola de Arquitetura e Planeamento do MIT: forma criadores baseados em investigação capazes de circular entre os três eixos de arte, cultura, tecnologia, e não apenas engenheiros ou artistas puros.

Nos três anos no MIT, fez várias coisas.

Primeiro "Song of Distances": uma obra web, o utilizador abre a página, a localização GPS do telemóvel é correspondida a nós no mapa, o algoritmo gera melodias personalizadas com base na distância do utilizador aos outros nós²⁰. A orientação do telemóvel afeta a espacialidade do som; quanto mais utilizadores participam coletivamente, mais complexa a paisagem sonora gerada pelo sistema. Esta obra é o ponto de partida da sua posterior série de "obras que usam web participativa para gerar paisagem sonora coletiva": a linhagem de "Reciter(s) 2.0" vem daqui.

Em agosto de 2021, ele e o colega mexicano Chucho Ocampo Aguilar conquistaram juntos o primeiro e segundo lugares do Prémio Harold and Arlene Schnitzer em Artes Visuais do MIT (Ocampo ficou em segundo)¹. O Schnitzer Prize é uma das mais altas honrarias que o MIT concede a estudantes de artes visuais, o primeiro prémio tem valor de 5.000 dólares. No mesmo ano, com a obra "Plantfluencer Gazing" foi selecionado para o Garden Program "Stranger Senses" do Ars Electronica 2021[^15]: foi a sua primeira seleção para um dos mais antigos festivais europeus de arte eletrónica.

Depois "3000 Years Among Microbes". Esta obra foi co-criada por Chi Po-hao, Rae Hsu (Hsu Rui-ping) e a artista mexicana Nancy Valladares, explorando as fronteiras entre humanos e micróbios através do conceito de "holobionte": entrevistaram o Centro Espacial Nacional de Taiwan e a base de simulação lunar da NASA, recolheram amostras micróbias, puseram o pressuposto "antropocentrismo" num enquadramento de perspetiva micróbia para reexaminar. A obra foi exposta de 14 de janeiro a 27 de fevereiro de 2022 na Galeria Xinban em Taipé, com patrocínio do Ministério da Cultura²¹.

No mesmo ano, obteve patrocínio do Ministério da Cultura para residência no Medialab Prado em Madrid, completou "Plastic Soup: Invisible Matters", e articulou a rede de colaboração subsequente de vários anos com artistas e coletivos mexicanos (dériveLAB, BEMA, Chucho Ocampo): esta linha latino-americana prolongar-se-ia em 2022–2023 até à exposição "Interfaces of the Invisible" no Museu de Querétaro no México.

VI. Regresso a Taiwan: harpa eólica, México, residências institucionais

De julho a setembro de 2022, Chi Po-hao obteve patrocínio do Ministério da Cultura para residência no 18th Street Arts Center em Santa Monica²². Lá desenvolveu um sistema chamado "Instalação de Rádio de Harpa Eólica": a harpa eólica é um instrumento antigo que usa o fluxo natural do vento para produzir som, ele adaptou-a para transmitir som a distância via sinais de ondas curtas. Cordas de diferentes materiais e espessuras em ruas urbanas, zonas de montanha, desertos são postas a vibrar pelo vento, gerando diferentes timbres, os sinais são transmitidos por rádio de volta ao receptor.

Em novembro de 2023, este sistema derivou em "Interfaces of the Invisible" exposto no Museu de Querétaro no México²³.

Neste período deslocou gradualmente o foco da criação pessoal para colaboração institucional e curadoria. Serviu como representante internacional de Taiwan para o festival Convergence do British Council⁴, começou também a atuar como curador: em 2023 curou "Rescaling the World" para a conferência anual da Sociedade STS de Taiwan (C-LAB), em 2024 curou "Convergência: Exploração Artística da Natureza à Sociedade" encomendada pelo Conselho Nacional de Ciência e Tecnologia²⁴. O NSTC (sistema de governança tecnológica nacional) encomendar a um artista a curadoria é raro no ambiente de arte tecnológica de Taiwan — e esta oportunidade veio diretamente do ano anterior, quando a vice-presidente do NSTC compareceu pessoalmente à conferência STS para ver o seu trabalho.

Em 2025 tornou-se artista residente do Arts@ITRI do ITRI — um sinal formal de movimento do círculo artístico para o sistema de I&D tecnológico.

O "Reciter(s) 2.0" de 2025 é produto desta identidade dupla: a obra em si é a sua criação, mas na execução tem equipa de colaboração fixa — programação de Luo Ruo-yu, produção de Lai Hui-jia — fazendo o estúdio "Zone Sound Creative" operar verdadeiramente como unidade independente capaz de assumir projetos de escala transnacional⁷.

VII. Polyphony, Paris, Los Angeles (2025–2026)

De 2024 a 2025, começou a desenvolver sistematicamente o tema "água". Da exposição individual "Ressonância Húmida" da Fundação Hung Chien-chuan em 2023, a "Symbiotic Sense(s)" e "Hydrospheric Sketch" no RIXC Art Science Festival de Riga em 2024, até "Cybernetics of Waterscape" em 2025 — escolheu Xizhi em New Taipei, cidade longamente assolada por inundações, como base de residência de longo prazo, montando memórias de inundações dos moradores, estrutura do leito do rio, sistemas de estações de bombeamento, dados de sensores numa tese de som urbano em curso. Desta vez não quis recolha sistemática — esta é a resposta que a pessoa que largou o sintetizador no Corredor de Hexi dá a si mesma dez anos depois.

De 3 a 7 de setembro de 2025, com "Cybernetics of Waterscape" foi selecionado para o pavilhão Taiwan Polyphony, organizado pelo Taiwan Sound Lab do C-LAB e patrocinado pelo Ministério da Cultura, exposto no POSTCITY do festival Ars Electronica em Linz⁸. Polyphony é a primeira grande colaboração curatorial após o MOU assinado em janeiro de 2025 entre C-LAB e Ars Electronica Linz GmbH & Co KG, reunindo 14 artistas/coletivos de Taiwan, e Chi Po-hao é uma das seis obras da secção de artes visuais do POSTCITY⁹. Esta é a sua segunda seleção para o Ars Electronica — a anterior foi em 2021 durante o período no MIT.

De 18 a 21 de março de 2026, a versão extendida de "Reciter(s) 2.0", "Reciter(s)", foi selecionada para os IRCAM Forum Workshops, apresentada no IRCAM e no Centre des Arts d'Enghien-les-Bains¹⁰. O IRCAM é o centro nacional francês de investigação em som e música fundado em 1977 pelo compositor Pierre Boulez, os Forum Workshops são o fórum anual que a instituição abre à comunidade global de som/tecnologia/composição — para Chi Po-hao, este é o momento em que a série "Reciter(s)" passa de uma experiência web de 2019 para o palco principal da comunidade académica de tecnologia sonora.

Em 24 de abril de 2026, a obra imersiva de arte digital "Life in Motion", co-criada com a Zone Sound Creative, inaugurou no Jerry Moss Plaza do The Music Center (Centro de Artes Performativas do Condado de Los Angeles), com exposição até 28 de junho¹¹. O The Music Center é uma das mais importantes instituições de artes performativas dos EUA, o parque ocupa cerca de 5 hectares, história de mais de 60 anos, inclui a Walt Disney Concert Hall, é o templo das artes performativas de Los Angeles. Esta é a primeira vez que o centro colabora diretamente com um artista taiwanês para comissariar uma exposição imersiva ao ar livre — segundo notícia da Central News Agency, a vice-diretora de inovação digital do Los Angeles Music Center, Beata Calinska, descobriu a obra de Chi Po-hao online, fez várias videochamadas com o Taiwan Academy em Los Angeles antes de fechar a parceria²⁵. "Life in Motion" integra geração visual em tempo real e tecnologia de sensores interativos, num pequeno espaço isolado do exterior por cortinas negras, faz o ambiente mudar com gestos e posição corporal do público — as imagens vão do crescimento celular à geomorfologia planetária, cada segundo em constante mudança, evolução²⁵.

Do Corredor de Hexi a Linz a Paris a Los Angeles, parecem quatro locais sem relação. Mas se voltarmos ao momento de 2015 em que largou o sintetizador, descobre-se que esta trajetória tem afinal uma só direção.

VIII. Não é que se não criar morre

Em 1818, ao rever a viagem de Viajante do Noroeste em 2015, escreveu duas descrições que muitos ignoram. Admitiu que originalmente queria ser recolhedor de campo de música étnica, mas após percorrer o Corredor de Hexi, descreveu o verdadeiro ganho dessa viagem como: "aceitar serenamente a tentativa vã", "voltar à identidade de simples ouvinte"⁶.

Visto no contexto dos seus dez anos de trabalho posteriores — algoritmos, GPS, voz sintetizada por IA, sensores a acumular-se — descobre-se que ele nunca esteve a fazer "arte tecnológica" essa coisa. O que faz é mais próximo do oposto: usar todo um conjunto de ferramentas tecnológicas, para se colocar de novo naquela posição de 2015 no Corredor de Hexi, que decidiu "não recolher mais, apenas ouvir".

Em 2017, numa entrevista ao Conselho Nacional de Cultura e Artes, disse uma frase muito citada:

"Não é que se não criar morre."¹⁴

Esta frase na boca de alguém formado em Economia, com dois mestrados internacionais, primeiro prémio de artes visuais do MIT, mais de dez residências internacionais, com empresa própria, soa dissonante — porque este currículo em si parece muito o de alguém que faz da criação uma vocação. Mas na mesma entrevista completou: "As minhas obras raramente têm a minha sombra."¹⁴

Esta é a chave para entender Chi Po-hao. As suas obras não são autobiográficas, não são projeção emocional, não põem o "eu" no centro. As suas obras são sistemas: uma página web que gera melodias a partir de GPS, um espaço que lê paisagem sonora ambiental e acelera 100x, um enxame que faz trinta telemóveis recitar juntos — ele constrói estes sistemas, e depois afasta-se, deixando o público entrar.

A página inicial do seu site pessoal diz:

"work with sound, everyday technology, and interactive systems, often exploring participatory forms that encourage people to connect and reflect"
(trabalha com som, tecnologia quotidiana e sistemas interativos, explorando frequentemente formas participativas que encorajam as pessoas a conectar e refletir)²⁴

A palavra-chave participatory (participativo) nesta autodescrição em inglês é a sua postura de trabalho desde que regressou do Corredor de Hexi, não apenas terminologia de design. Ele usa algoritmos, GPS, voz sintetizada por IA, sensores para medir este mundo, mas o objetivo da medição é forçar as pessoas a fazer uma escolha de percepção, não para substituir a percepção humana.

Os nossos ouvidos não têm pálpebras. Mas se temos ou não um par de ouvidos dispostos a ouvir, é outra coisa.

Leituras complementares

• Lin Ching-yao — também artista sonoro/tecnológico do ecossistema C-LAB, do taiji "mãos de nuvem" para a arte generativa
• Wang Hsin-jen (A-luan) — artista digital, cofundador da akaSwap, mesma geração mas virado para curadoria e infraestrutura NFT
• Hello Nico — banda independente da fase inicial de Chi Po-hao, EP "Cidade Flutuante" de 2014 como tecladista
• Arte de novos media em Taiwan — a posição da arte sonora no contexto da arte de novos media em Taiwan

Referências