Lo Ta-yu : il a chanté les déracinés de Taïwan, mais a lui-même déménagé dix-neuf fois et cherche encore sa route

Vue d'ensemble en 30 secondes : Lo Ta-yu (né en 1954) est un auteur-compositeur-interprète issu de la radiologie médicale. En 1982, Zhihuzheye transforma les paroles de chansons populaires : d'ornements affectifs, elles devinrent des supports d'idées. La critique musicale taïwanaise classa plus tard cet album au premier rang des cent albums classiques. Il écrivit le déracinement de « La petite ville de Lukang », l'isolement de « L'Orphelin d'Asie », l'éloignement de « Perle de l'Orient », posant sans cesse la question : « Qui suis-je ? » Le paradoxe est que cet homme qui a chanté toute l'errance taïwanaise a lui-même vagabondé de Taipei à New York, Hong Kong et Pékin ; des chercheurs ont calculé qu'il avait déménagé dix-neuf fois en vingt-neuf ans. À soixante-dix ans, revenu à Taïwan, il monta sur scène et déclara que, dans sa génération de musiciens, « au moins 70 % ont été éliminés » ; ceux qui restent sont tous des survivants remarquables.

Dans les années 1970, à Taichung. Dans la salle de dissection anatomique du China Medical College, l'odeur du formol prenait à la gorge, et les étudiants ordinaires n'y restaient pas longtemps. Un étudiant en médecine, lui, aimait s'y cacher, non pour étudier, mais pour chanter.

« Il y avait moins de gens qui allaient là-bas, et l'écho était très bon ; personne ne saurait que j'étais en train de chanter. »¹

Cet étudiant s'appelait Lo Ta-yu. Une dizaine d'années plus tard, ses chansons se répandraient dans tout le monde sinophone ; ces mélodies chantées en cachette, que personne n'était censé entendre, deviendraient la mémoire commune d'une génération. Mais pendant ces années dans la salle de dissection, il n'était encore qu'un enfant d'une famille de médecins, s'exerçant en secret à faire quelque chose que sa famille ne souhaitait pas le voir faire.

C'est la fissure la plus profonde chez Lo Ta-yu : il passa ensuite sa vie à chanter le déracinement de Taïwan, à chanter cette question sans réponse, « Qui suis-je ? » ; et lui-même était précisément le plus radical des errants face à cette question.

Personne ne savait qu'il chantait

Pour comprendre pourquoi Lo Ta-yu écrivait des chansons de cette manière, il faut d'abord savoir quel genre de personne il aurait dû devenir.

Il naquit le 20 juillet 1954 à Taipei², dans une famille médicale typique : ses parents, ses frères et sœurs travaillaient tous dans la santé. Dans un tel foyer, les enfants faisaient presque naturellement médecine, et Lo Ta-yu a lui-même dit qu'il était, enfant, « extrêmement discipliné ». Il suivit effectivement la voie tracée : il entra à la faculté de médecine du China Medical College, obtint son diplôme vers 1980 ou 1981³, puis devint radiologue.

Mais cet étudiant en médecine discipliné gardait la musique cachée dans son corps. L'épisode de la salle de dissection vient de son propre récit : c'était le coin le plus silencieux de toute l'école, celui où personne n'allait ; l'écho était bon, idéal pour s'exercer seul à chanter¹. Un futur médecin, dans une pièce où l'on côtoyait les corps donnés à la science, répétait un geste sans rapport avec le fait de sauver des vies.

Sa famille ne fut pas sans s'y opposer. Lo Ta-yu décrivit plus tard son choix comme une « trahison envers sa famille » : il était parti faire de la musique, et les siens mirent environ dix ans à l'accepter vraiment⁴. Dix ans, c'est une longue réconciliation. Il avait conclu un accord avec son père : obtenir d'abord sa qualification de médecin, prouver qu'il était capable d'emprunter la voie médicale, puis seulement choisir sa propre route. Il obtint un poste en radiologie, accomplit donc sa promesse, puis se retourna et partit.

📝 Note de curation
Lo Ta-yu choisit la radiologie, non la chirurgie. Des années plus tard, il prononça une phrase qui mérite qu'on s'y arrête : créer, dit-il, ressemble beaucoup à opérer ; il faut ouvrir son cœur et ses poumons, « mais on n'a pas besoin d'inciser réellement. C'est cela qui est bien dans la création ! »⁵ Il choisit une position de « diagnostic » : voir clairement où se trouve la lésion, la nommer, mais sans devoir trancher de sa propre main. Ce regard de radiologue devint ensuite sa méthode d'écriture. Sa colère repose rarement sur le cri ; elle consiste plutôt à décrire avec une grande netteté les lésions d'une société, de sorte que vous les voyiez vous-même.

Lui-même expliquait ce choix avec calme : « Parmi tant de médecins, il n'y avait pas besoin d'un Lo Ta-yu de plus ; mais en musique, il restait encore beaucoup d'espace à développer. »⁶ C'est le jugement d'un homme qui a fait ses calculs : que le monde compte un médecin de moins ne changeait pas grand-chose, mais dans la musique, il y avait encore quelque chose qu'il pouvait faire. Rien de la ferveur tragique d'un adolescent exalté.

L'incision qu'il n'était pas nécessaire de faire vraiment

Le 21 avril 1982, Lo Ta-yu publia son premier album solo, Zhihuzheye⁷. Lunettes noires, cheveux bouclés en volume, tenue entièrement noire : l'image du « Lo Ta-yu noir » jurait avec les chansons folkloriques de campus alors empreintes de douceur sentimentale.

Cet album fut plus tard classé numéro un dans Les cent meilleurs albums de la musique populaire taïwanaise⁷, une position presque inébranlable. Ce qui l'y porta, c'est qu'il fit quelque chose que la chanson populaire sinophone faisait alors rarement : traiter les paroles comme une argumentation, comme un véhicule de point de vue. Dans « La petite ville de Lukang », le jeune homme parti de la campagne à Taipei pour gagner sa vie, avant de découvrir qu'il ne peut même plus retourner dans son pays natal, chante le déracinement de toute l'ère industrielle ; « Soixante-douze transformations des phénomènes » ressemble presque à un rapport d'observation sociale. La chanson populaire pouvait donc, elle aussi, devenir le rapport diagnostique d'un radiologue sur la société.

Clip officiel de « La petite ville de Lukang » de Lo Ta-yu. Chaîne officielle de Rock Records. La chanson dit le déracinement de l'ère industrielle : partir de la campagne pour tenter sa chance à Taipei, puis découvrir qu'il est impossible de revenir au pays natal.

Mais dans le Taïwan de 1982, parler clairement avait un prix. C'était l'époque de la loi martiale : les chansons devaient être soumises à examen, et la censure formait une toile invisible. La manière dont Lo Ta-yu affronta cette toile fut de dissimuler la vérité dans des déguisements ingénieux.

La chanson-titre de Zhihuzheye en est une moquerie frontale. Ses paroles originales écrivaient directement : « les chansons sont censurées, passeront-elles ou non ? », tournant ouvertement en dérision le système de censure lui-même ; lors de la soumission, elles furent changées en « un œil ouvert, la bouche qui souffle... », pour tomber finalement sur la formule « tout le monde est content »⁸. En surface, rien de dangereux ; au fond, un rire froid dirigé contre tout le système.

Une fausse sous-titre en échange d'une vérité

Le déguisement le plus célèbre fut celui de « L'Orphelin d'Asie ».

Le titre de cette chanson vient du roman homonyme de Wu Zhuoliu. Elle décrit la situation d'isolement de Taïwan, pris dans les interstices de l'histoire, rejeté de tous, revendiqué par personne. Dans le Taïwan de la loi martiale, c'était une métaphore extrêmement sensible. Pour qu'elle passe la censure, Lo Ta-yu lui ajouta un sous-titre : « Le cauchemar rouge — dédié aux réfugiés de la péninsule indochinoise »⁹.

Ce sous-titre déplaçait habilement la direction de toute la chanson : de « la condition d'orphelin propre à Taïwan » vers « les réfugiés de la péninsule indochinoise ». Les censeurs voyaient une chanson de compassion envers les réfugiés vietnamiens et cambodgiens, conforme à l'atmosphère anticommuniste de l'époque ; ceux qui comprenaient vraiment savaient que cet orphelin d'Asie, c'était l'île elle-même. Une ligne de faux sous-titre permit d'obtenir une vérité qu'on ne pouvait pas dire ouvertement.

💡 Le saviez-vous ?
La phrase de « L'Orphelin d'Asie » évoquant « un visage jaune couvert de boue rouge » a longtemps été interprétée comme un code des relations inter-détroit et de l'identité. Mais le sous-titre laissé par Lo Ta-yu à l'époque, « dédié aux réfugiés de la péninsule indochinoise », est lui-même un spécimen de l'ère de la loi martiale. Il montre que, pour faire parvenir une phrase sincère à l'oreille des auditeurs, les créateurs de cette époque devaient d'abord préparer pour les censeurs une histoire qu'ils étaient prêts à croire. La chanson ne changeait pas ; ce qui changeait, c'était l'étiquette collée à l'extérieur de la chanson.

C'est ce qui rend les débuts de Lo Ta-yu si fascinants : il n'était pas celui qui criait des slogans dans la rue, mais celui qui, par un sous-titre, un double sens, un œil ouvert et l'autre fermé, faisait passer en contrebande dans les oreilles de millions de personnes ce qui ne pouvait pas se dire. La précision du radiologue était employée à jouer à cache-cache avec la censure.

Une chanson volée

Lo Ta-yu ne gagna pas chaque bras de fer avec le système.

En 1985 naquit une chanson intitulée « Demain sera meilleur ». C'était un grand chant caritatif, interprété par plus de soixante chanteurs réunis, inspiré de « We Are the World » aux États-Unis. La musique était de Lo Ta-yu, mais les paroles furent coécrites par sept personnes : Lo Ta-yu, Chang Ta-chun, Hsu Nai-sheng, Lee Shou-chuan, Chiu Fu-sheng, Sylvia Chang et Chan Hung-chih ; l'arrangement était de Chen Chih-yuan¹⁰. Autrement dit, ce classique national que beaucoup croient « entièrement écrit et composé par Lo Ta-yu » ne relevait en réalité de lui que pour la moitié musicale.

Ce qui le blessa davantage encore fut le destin ultérieur de cette chanson. Les paroles originales de « Demain sera meilleur » furent modifiées de plus de cent caractères, puis le Kuomintang, parti au pouvoir à l'époque, l'utilisa comme chanson de meeting électoral¹⁰. Une chanson caritative destinée à la société devint un outil de mobilisation politique. Selon de nombreux articles, c'est l'une des œuvres que Lo Ta-yu souhaite le moins évoquer ; il vit de ses propres yeux une création à laquelle il avait participé être appropriée et réécrite, sans pouvoir rien y faire.

Si « L'Orphelin d'Asie » montre un créateur triomphant du système par l'intelligence, « Demain sera meilleur » montre le même créateur recevant une leçon brutale de ce système. On peut cacher une vérité dans un faux sous-titre, mais on ne peut empêcher autrui de déplacer sa chanson pour lui faire dire ce qu'il veut dire. Cet épisode, ajouté à toutes les contraintes que le Taïwan de la loi martiale imposait à la création, devint l'un des bruits de fond de son départ ultérieur.

De Taipei à Pékin, chanter la quête des racines

Le 9 mars 1985, Lo Ta-yu quitta Taïwan pour New York¹¹. Ce fut le point de départ de plus de vingt années d'errance.

Le chiffre cité par Wikipédia en anglais est frappant : au cours de la suite de sa vie, il déménagea dix-neuf fois en vingt-neuf ans, de New York à Hong Kong puis à Pékin¹². Il n'allait pas simplement en tournée ou chercher du prestige ; il vivait réellement dans chaque ville, puis repartait. Le plus paradoxal est que les chansons qu'il écrivit à chacune de ces étapes parlent presque toutes du « pays natal », de la manière dont un étranger regarde le lieu qui l'abrite provisoirement.

Sources : entrée Wikipédia anglais « Lo Ta-yu », entrée Baidu Baike « Music Factory », reportage de Sina en 2002 depuis Pékin.

La deuxième étape fut Hong Kong. En 1987, il s'y installa (les sources chinoises indiquent 1987, Wikipédia anglais écrit 1986, avec un an d'écart)¹³. En 1990, il fonda avec Rock Records la « Hong Kong Music Factory »¹⁴, et orienta son objectif créatif vers un Hong Kong en compte à rebours avant la rétrocession. L'œuvre représentative est « Queen's Road East », publiée en janvier 1991 : la musique est de Lo Ta-yu, les paroles de Lin Xi, et la chanson est interprétée en duo par Lo Ta-yu et Ram Chiang¹⁵. Lo Ta-yu expliqua plus tard le double sens du titre : « une grande avenue, c'est la route que l'on doit suivre dans la vie... arrivée en Orient, elle devient Queen's Road East, c'est-à-dire Hong Kong »¹⁵. C'est un Taïwanais qui, depuis une subtile position d'étranger, écrivit l'angoisse collective de Hong Kong à la veille de la rétrocession.

Le regard de l'étranger apparaît plus clairement encore dans « Perle de l'Orient ». La première version de cette chanson fut la version cantonaise de 1986, composée par Lo Ta-yu, écrite par Cheng Kwok-kong et interprétée par Michael Kwan ; ce n'est qu'en 1991 que Lo Ta-yu réécrivit lui-même les paroles de la version en mandarin¹⁶. Des critiques musicaux ont comparé les deux versions, disant que « les paroles de Cheng sont simples et concrètes, celles de Lo flottantes et abstraites »¹⁶ : entre l'ancrage d'un parolier local hongkongais et la distance lettrée d'un créateur taïwanais écrivant Hong Kong, l'écart se voit là. Quelle que soit la profondeur de son affection, elle reste celle d'un homme venu d'ailleurs.

La troisième étape fut Pékin. En 2000, ses chansons furent de nouveau autorisées en Chine continentale, et il lança une tournée du siècle qui passa par Shanghai, Hangzhou, Nanchang et Kunming¹⁷. En 2002, Hong Kong Music Factory déménagea à Pékin¹⁷ ; la même année, lors d'une conférence de presse au temple de Confucius à Pékin, il prononça une phrase qui saisit avec une grande justesse cette époque de transformations : « C'est une grande ville... je sens la terre trembler sous mes pieds, parce que tout est en train de changer ! »¹⁷

Même la terre sous ses pieds tremblait : c'est presque l'aveu le plus honnête d'une demi-vie d'errance chez Lo Ta-yu. Un homme parti de Taipei, ayant déménagé dix-neuf fois entre New York, Hong Kong et Pékin, sentait partout que le sol pouvait bouger. En 2004, lors d'un entretien, il formula cela plus clairement encore : il disait aller et venir entre la Chine continentale, Hong Kong et Taïwan ; cela ressemblait à une dérive permanente, mais, en réalité, il cherchait ses propres racines (en anglais : « in fact, I'm seeking my roots »)¹⁸.

📝 Note de curation
Il y a ici un fait facile à négliger. Un article académique de 1993 publié par The China Quarterly, à l'université de Cambridge, écrivait que Lo Ta-yu, « bien qu'il n'ait jamais joué en Chine continentale, y restait très populaire » (« despite never performing on the mainland, his work remained widely popular »)¹⁹. Autrement dit, bien des années avant qu'il pose réellement le pied sur le sol chinois, ses chansons y étaient déjà arrivées. Les chansons d'une personne peuvent atteindre un lieu avant son corps, y être accueillies avant elle : c'est peut-être une forme de compensation propre à l'errant. Le corps reste toujours en chemin, mais les chansons s'installent pour lui avant son arrivée.

Les chansons qu'il a écrites, et celles qu'il a écrites pour les autres

Parler de Lo Ta-yu conduit presque nécessairement à une question : quelles chansons a-t-il réellement écrites ?

Les œuvres de Lo Ta-yu sont souvent attribuées à tort. Les examiner une par une permet au contraire de voir un portrait plus complet de lui. C'est un créateur prolifique : il n'a pas seulement chanté ses propres chansons, il a aussi écrit pour nombre de grandes stars de la scène sinophone de l'époque. En 1981, il écrivit « Enfance » et « L'Histoire du temps » pour l'album Enfance de Sylvia Chang, dont il fut aussi le producteur ; ces deux chansons furent en réalité publiées pour la première fois en 1981, et non en 1982 comme beaucoup s'en souviennent²⁰. Plus tôt encore, entre 1977 et 1978, il écrivit « Jours étincelants » pour Liu Wen-cheng²¹. En 1983, il écrivit « Les lys sauvages ont aussi leur printemps » pour Pan Yue-yun²². « Poursuivre ses rêves », en 1990, fut écrite pour Fong Fei-fei. « On dirait qu'un vieil ami revient », chantée par Anita Mui en 1991, fut composée par lui, mais les paroles sont de Lin Xi²³.

💡 Le saviez-vous ?
Certaines chansons sont presque universellement considérées comme ayant été « entièrement écrites et composées » par Lo Ta-yu, alors que ce n'est pas le cas. Les paroles de « Quatre rimes de nostalgie » sont du poète Yu Kwang-chung ; Lo Ta-yu n'en composa que la musique. Les paroles de « Queen's Road East » et de « On dirait qu'un vieil ami revient » sont toutes deux de Lin Xi ; Lo Ta-yu en écrivit la musique. Quant à l'imposante « Un rire dans la mer immense », paroles et musique sont en réalité de James Wong ; Lo Ta-yu n'en chanta que la version en mandarin, sans en être le créateur²⁴. Pourquoi clarifier ces chansons une par une ? Parce que ce qu'un créateur a écrit, et ce qu'il n'a pas écrit, fait partie intégrante de ce qu'il est.

Une autre chanson souvent rangée sous le nom de Lo Ta-yu est « Poussière rouge qui roule ». Les faits sont les suivants : la musique et les paroles sont de Lo Ta-yu, la première interprète fut Sarah Chen, et l'écrivaine Sanmao était la scénariste du film homonyme, non l'autrice des paroles ou de la musique de la chanson²⁵. Quant à « Ton apparence », elle figure sur l'album Camarade amant de 1988, et non sur Famille de 1984 comme l'indiquent certaines sources²⁶.

En clarifiant ces éléments un par un, on découvre ceci : le territoire créatif de Lo Ta-yu traverse toute la musique populaire sinophone des années 1980 et 1990. Ses chansons circulent dans les voix de Sylvia Chang, Liu Wen-cheng, Pan Yue-yun, Fong Fei-fei et Anita Mui, comme dans sa propre voix légèrement rauque. Un radiologue est finalement devenu l'un des auteurs d'une moitié de l'histoire de la musique populaire sinophone.

Le prix de l'acuité

Un article qui ne dirait que la grandeur de Lo Ta-yu manquerait d'honnêteté. Sa trajectoire ne fut pas sans accroc, et il ne resta pas toujours aussi tranchant.

Dès la période hongkongaise, certains estimèrent qu'il avait changé. Des commentateurs jugèrent qu'après son arrivée à Hong Kong, Lo Ta-yu avait « perdu de son mordant et s'était rapproché du commercial », car une grande partie de la production de Music Factory à cette époque consistait en musiques de films²⁷. Entre le chanteur critique qui, dans le Taïwan de la loi martiale, luttait contre la censure, et le musicien commercial écrivant des chansons-thèmes pour le cinéma hongkongais, l'écart était réel ; les admirateurs du Lo Ta-yu des débuts ne l'acceptèrent pas forcément.

Les critiques plus directes visèrent ses œuvres tardives. En 2009, un article de Portrait Weekly écrivit que ses chansons n'étaient « pas incisives, mais plutôt insuffisamment aiguës et excessivement acerbes », ajoutant qu'elles « manquent de résonance »²⁸. Celui qui, jadis, pouvait saisir dans une chanson les lésions d'une époque fut considéré comme ayant perdu une certaine justesse.

📝 Note de curation
L'explication courante est que « Lo Ta-yu a vieilli, il n'est plus en colère, il a cédé au commerce ». Mais cette explication inverse peut-être la cause et l'effet. La force d'un homme qui écrit des chansons depuis un regard de « diagnostic » vient de sa distance à une lésion concrète ; dans le Taïwan de la loi martiale, cette lésion était parfaitement visible. Lorsqu'il quitta Taïwan, dériva vers des villes où ce système de censure n'existait pas, et où il était lui-même un étranger, ce qu'il perdit ne fut pas seulement la colère, mais la position qui lui permettait d'inciser avec précision. Ceux qui lui reprochent de « manquer de tranchant » n'ont peut-être pas vu que le tranchant a toujours à voir avec la terre. Quand le sol tremble sans cesse, la lame ne trouve plus son point exact.

C'est aussi l'un des prix de l'errance. « Perle de l'Orient » fut jugée « flottante », la période hongkongaise « commerciale », les œuvres tardives « émoussées » : derrière ces critiques se trouve en réalité une même chose. Un homme privé de coordonnées fixes a du mal à conserver durablement la justesse d'autrefois, celle qui touchait le point vital. Inscrire cela ici ne vise pas à le diminuer ; c'est précisément l'autre face, la plus vraie, du thème de « l'errant ».

Un survivant remarquable

Après son retour de Pékin à Taïwan, Lo Ta-yu ne s'arrêta pas. En 2008, il forma avec Jonathan Lee, Wakin Chau et Chang Chen-yue un supergroupe à durée limitée, Superband. Ces quatre hommes, qui auraient tous pu vivre de leurs anciennes chansons, partirent ensemble en tournée, publièrent deux albums, puis se séparèrent début 2010²⁹.

Superband en tournée mondiale en 2009, groupe à durée limitée formé par Lo Ta-yu, Jonathan Lee, Wakin Chau et Chang Chen-yue. Photo : Tat Lau, 2009. CC BY-SA 2.0.

En 2024, Lo Ta-yu, âgé de soixante-dix ans, monta sur la scène d'un concert. Il chanta plus de vingt chansons et joua aussi plusieurs morceaux au piano³⁰. Dans le public étaient assises plusieurs générations d'auditeurs : les aînés qui, sous la loi martiale, l'avaient entendu chanter ce qu'ils n'osaient pas dire ; les adultes d'âge mûr dont ses chansons avaient accompagné la jeunesse ; et de jeunes auditeurs qui l'avaient découvert par des reprises et le streaming.

L'étudiant qui s'était autrefois caché dans une salle de dissection, craignant qu'on l'entende, chantait à soixante-dix ans devant une salle entière.

En 2021, Lo Ta-yu reçoit le Prix spécial de contribution des 32e Golden Melody Awards ; le jury parle d'une « hauteur de penseur ». Photo : 化城再来人, 2021. CC BY-SA 4.0.

Mais il ne se présenta pas comme quelqu'un de grand. Sur scène, il dit ceci : « Au moins 70 % des musiciens ont été éliminés ; ceux qui sont aujourd'hui sur cette scène sont tous des survivants remarquables ! »³⁰ Il ne dit pas qu'il était un parrain ou une légende ; il dit seulement qu'il était quelqu'un qui avait survécu. Comparé aux collègues emportés par l'époque, il avait simplement eu de la chance d'être encore debout.

Comment Lo Ta-yu, après avoir erré la plus grande partie de sa vie, s'est-il finalement réconcilié avec la question « Qui suis-je ? » La réponse se cache peut-être dans une scène très domestique. À cinquante-huit ans, il devint père ; conduire chaque jour sa fille à l'école, disait-il, était « incroyablement réjouissant ». Puis il prononça une phrase qui rassemble toute une vie d'errance : « La vie est un cycle. Quand elle devient un cercle, plus rien n'est vraiment difficile. »⁵ Il ajouta encore : tout dépend de votre volonté de revenir au point d'origine.

Parti de la salle de dissection de Taipei, passé par New York, Hong Kong et Pékin, après dix-neuf déménagements, après avoir chanté le déracinement et l'orphelinage de toute une île, ce matin-là, en tenant la main de sa fille sur le chemin de l'école, cet errant semblait enfin avoir trouvé la réponse qu'il avait chantée toute sa vie. Ce n'est pas qu'un lieu particulier soit sa racine, mais que le fait même de « revenir au point d'origine » le soit : quand la vie trace un cercle, la terre cesse de trembler.

Par l'errance de toute une vie, il a posé pour toute une génération la question taïwanaise du « Qui suis-je ? » Et le fait de chanter encore sur scène à soixante-dix ans est, pour l'instant, la réponse la plus honnête à cette question.

Pour aller plus loin :

• La musique populaire taïwanaise : du nakashi à Jay Chou, comment une île a fait de la chanson sa propre voix — Lo Ta-yu est une figure charnière de cette histoire générale
• Le mouvement de la chanson folk taïwanaise : comment « chanter ses propres chansons » a réécrit la musique populaire de Taïwan — la vague qui précède l'ascension de Lo Ta-yu ; pour le comprendre, il faut d'abord comprendre cette époque
• Musique populaire et Golden Melody Awards : comment Taïwan définit la musique sinophone par un prix — Lo Ta-yu a reçu en 2021 le Prix spécial de contribution des 32e Golden Melody Awards
• Sylvia Chang : de jeune première à lauréate des Golden Horse, légende double du cinéma et de la musique taïwanais — l'album Enfance de 1981 fit connaître pour la première fois « Enfance » et « L'Histoire du temps », écrites par Lo Ta-yu
• Sanmao : une légende générationnelle de la littérature de l'errance — scénariste du film homonyme Poussière rouge qui roule ; les paroles et la musique de la chanson sont en réalité de Lo Ta-yu

Sources des images

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• Lo Ta-yu en concert en 2011 (hero) — Photo : Daniel M Shih, 2011, CC BY-SA 2.0
• Superband Taiwan 2009 — Photo : Tat Lau, 2009, CC BY-SA 2.0
• Lo Ta-yu, Prix spécial de contribution des Golden Melody Awards 2021 — Photo : 化城再来人, 2021, CC BY-SA 4.0
• Vidéo : « La petite ville de Lukang », intégration YouTube de la chaîne officielle Rock Records

Références