Chi Po-Hao : de l’économie au son, ou comment interroger par l’algorithme une même question : avez-vous vraiment écouté ?

Chi Po-Hao : de l’économie au son, ou comment interroger par l’algorithme une même question : avez-vous vraiment écouté ?

Aperçu en 30 secondes : Chi Po-Hao (Pohao Chi), né en 1989, est artiste sonore, compositeur et commissaire d’exposition. Diplômé du département d’économie de l’Université nationale de Taïwan, il a poursuivi un master en musique au Goldsmiths, University of London, et a remporté en 2021, en tant qu’étudiant en master au programme MIT Art, Culture and Technology, le premier prix en arts visuels du Harold and Arlene Schnitzer Prize¹. En 2014, il participe comme synthétiste à l’EP Floating City de Hello Nico² ; la même année, son œuvre Rhythm of Space est sélectionnée pour le Taipei Arts Award³, il reçoit le soutien du National Taiwan Museum of Fine Arts pour une résidence à V2 à Rotterdam, aux Pays-Bas, et il est choisi pour la 11e édition du « Wanderer Project » de la compagnie Cloud Gate Dance Theatre⁴. En 2015, il se rend dans le Qinghai, le Gansu et le Ningxia, et traverse plus de mille kilomètres le long du corridor du Hexi⁵. Suivent plus d’une dizaine de résidences internationales et locales, notamment à la Cité internationale des arts à Paris, à LABoral en Espagne (2016), à Asia Art Archive à Hong Kong (2016), au village militaire Xianguang no 2 à Taoyuan (2017), à Artists Space PRACTICE à New York (sélectionné par le Taipei Artist Village, 2018), au Hangzhou Cross-Strait Cultural Exchange Center (2018), à FACT Liverpool au Royaume-Uni (2018), à Medialab Prado à Madrid (2021), au 18th Street Arts Center à Los Angeles (2022) et à Arts@ITRI de l’Industrial Technology Research Institute (2025)⁶. En 2017, il fonde le studio Zone Sound Creative. En 2025, il présente Reciter(s) 2.0 au festival d’art sonore DIVERSONICS du C-LAB⁷, et participe avec Cybernetics of Waterscape au pavillon taïwanais Polyphony, organisé par le C-LAB, au festival Ars Electronica à POSTCITY, Linz, en Autriche⁸⁹. En mars 2026, il participe avec Reciter(s) aux IRCAM Forum Workshops à Paris¹⁰ ; du 24 avril au 28 juin de la même année, son œuvre immersive d’art numérique Life in Motion est exposée sur la Jerry Moss Plaza du Music Center à Los Angeles¹¹. Il mesure le monde au moyen d’algorithmes, du GPS et de voix synthétisées par IA, tout en poursuivant toujours la même interrogation : l’acte d’« écouter » conserve-t-il encore une volonté propre ?

1. À l’époque des assistants vocaux par IA, demander comment les humains « écoutent »

Fin octobre 2025, au deuxième étage de la bibliothèque du C-LAB, le Taiwan Contemporary Culture Lab, à Taipei. Un festival d’art sonore intitulé DIVERSONICS est alors en cours¹². Parmi les œuvres présentées figure Reciter(s) 2.0 RECITER(s) 2.0, de Chi Po-Hao.

Le public entre dans l’espace, sort son téléphone, scanne un QR Code, ouvre une page web, puis quelque chose commence à se produire. Le téléphone de chaque personne récite automatiquement le même texte, avec une voix générée par IA. Lorsqu’il n’y a que trois personnes sur place, les voix restent alignées ; lorsqu’il y en a trente, les infimes décalages temporels entre les téléphones s’accumulent, et une récitation initialement régulière se désaxe, se stratifie, interfère avec elle-même. Le texte reste identique, mais la configuration sonore de l’espace a entièrement changé.

La notice de l’œuvre écrit :

« 本作品的靈感源於 2000 年思科（Cisco）公司廣為人知的商業廣告『賦權互聯網世代』。當時，廣告中不同族裔的孩童不斷詢問：『你準備好了嗎』，傳遞出對高度互聯與全球化的美好願景。時至今日，語音助理應用表面上實現了跨國界的承諾，但這些合成聲音也逐漸從新奇走向日常，成為一種『慣習媒介』，並徘徊在過時的邊緣。」⁷

Lue en 2025, cette déclaration ne conserve aucune trace de l’optimisme technologique des années 2000. Siri, Alexa, Google Assistant, le mode vocal de ChatGPT : la voix synthétique est passée de nouveauté inquiétante à bruit de fond, et nous avons cessé de l’écouter. La réponse de Chi Po-Hao n’est pas un commentaire, mais une installation : faire apparaître collectivement, sur plusieurs téléphones, une voix synthétisée, puis la laisser se désaligner et se désagréger, afin de contraindre les personnes présentes à réécouter ce qu’est précisément cette voix.

Cette œuvre compte parmi ses présentations publiques les plus importantes de 2025. Mais sa logique peut être remontée onze ans plus tôt, au moment où il venait de sortir du département d’économie de l’Université nationale de Taïwan et soumettait déjà une œuvre à un prix d’art.

2. Celui qui est entré dans le son depuis une pensée quantitative

Chi Po-Hao est né vers 1989 à Taipei. Il étudie au lycée municipal Jianguo, puis entre au département d’économie de l’Université nationale de Taïwan⁶. Cette trajectoire aurait dû le conduire vers la finance, la recherche ou l’analyse des politiques publiques. Mais, durant ses années d’université, il rejoint un club de musique populaire, découvre la guitare et l’arrangement, et commence à mettre en ligne les chansons qu’il enregistre lui-même⁶.

Après son diplôme, il ne rejoint pas le secteur financier. À partir de 2011, il devient auteur-compositeur sous contrat chez Neutron Culture, la seconde génération de Magic Stone, et travaille officiellement pendant trois ans comme professionnel de la musique commerciale, une identité qui s’établit avant celle, ultérieure, d’artiste en résidence⁶. En 2013, il est sélectionné pour le programme « Overseas Arts Travel Project » de la National Culture and Arts Foundation, avec un projet de recherche sur les institutions d’art sonore en Grande-Bretagne et en France¹³. En 2014, il rejoint le groupe indépendant Hello Nico comme synthétiste et publie l’EP Floating City, qui arrive en tête sur StreetVoice et remporte l’année suivante le prix du meilleur EP de l’année aux Freshmusic Awards de Singapour².

2014 marque un tournant plus large. Il est simultanément choisi par trois institutions taïwanaises de nature très différente : son œuvre Rhythm of Space est sélectionnée pour la 14e édition du Taipei Arts Award³ ; il reçoit du National Taiwan Museum of Fine Arts une bourse du « Digital Art Talent Overseas Residency Program » pour une résidence au V2_Lab for the Unstable Media, aux Pays-Bas⁶ ; il est également choisi pour la 11e édition du « Wanderer Project » de Cloud Gate Dance Theatre⁴. Trois trajectoires démarrent en même temps : l’un des prix d’arts visuels les plus importants de Taïwan, une résidence soutenue par un musée national, et une bourse internationale de voyage pour jeunes artistes accordée par une compagnie de danse privée.

Qu’a-t-il fait durant sa résidence à V2 ? L’œuvre s’intitule Rhythm of Space. Il y enregistre le paysage sonore de l’espace d’exposition pendant vingt-quatre heures, puis le rejoue sur place à une vitesse cent fois supérieure, tout en maintenant une hauteur fixe. Une horloge projetée se trouve dans l’espace. Lorsque le public se place à un endroit précis, la lecture ralentit jusqu’à la vitesse normale : le son passe de l’impulsion dense d’« une journée compressée en quatorze minutes » au son quotidien où « une seconde est une seconde ». Le cœur de l’œuvre est l’échelle temporelle : transformer un paysage sonore environnemental, que les humains peuvent ignorer comme arrière-plan, en premier plan qu’ils doivent affronter.

Lorsqu’en 2017 la revue en ligne de la National Culture and Arts Foundation l’interroge, il cite une phrase du compositeur canadien R. Murray Schafer :

« 我們的耳朵沒有蓋子，注定會一直聽著；但這並不表示，我們有一雙開放的耳朵。」¹⁴

Cette phrase explique pourquoi l’ensemble de son parcours ultérieur paraît dispersé tout en demeurant en réalité cohérent : des arrangements au synthétiseur pour Hello Nico aux installations sonores en résidence à V2, de la spatialisation du son aux œuvres web de voix par IA, il ne fait qu’une seule chose : écarter l’un de l’autre « hear » (la réception physiologique du son) et « listen » (la volonté active d’écouter), afin que chacun puisse choisir à nouveau.

Mais le véritable point d’origine de cette opposition « hear / listen » ne se trouve ni au Taipei Arts Award, ni à V2 Rotterdam : il se trouve en 2015, sur le corridor du Hexi.

3. Le voyageur et la Cité : du Nord-Ouest à l’Europe (2014-2018)

En 2015, il part avec un projet intitulé « enquête sur les chants populaires et les coutumes du Nord-Ouest ». Il se rend successivement dans les trois provinces du Qinghai, du Gansu et du Ningxia, et parcourt plus de mille kilomètres le long du corridor du Hexi⁵. Le plan initial consiste à documenter systématiquement les musiques populaires locales : hua’er, tambour de Lanzhou, chants et danses tibétains et yugurs. Une tournée se déroule en parallèle : à Pékin, Yinchuan et Lanzhou, l’atelier Yu Tao Fang organise une performance intitulée North of Resonant Voices.

Mais au milieu du voyage, il découvre que ses outils ne fonctionnent plus. Jusque-là, sa manière principale de faire de la musique passait par les synthétiseurs, Max/MSP et les opérations numériques, soit une méthode fondée sur le présupposé suivant : « je contrôle le son depuis une interface ». Dans le Nord-Ouest, il n’y a pas d’interface. Il y a le vent du corridor du Hexi, les performances dans le sous-sol de Yu Tao Fang, les appels de la mosquée soufie de Yinchuan, les moulins à prières de la préfecture autonome yugur de Sunan, la cour d’école du comté de Xiahe où des élèves tibétains rejouent l’histoire de l’Armée populaire de libération. Ces choses ne peuvent pas être synthétisées, ni proprement collectées comme données de terrain.

Dans la seconde moitié du voyage, il abandonne son plan initial de documentation systématique et place les échanges présents avant l’enregistrement. Dans le texte qu’il écrit en 2018 pour revenir sur ce voyage, il décrit le véritable acquis de cette expérience comme le fait d’« accepter sereinement les tentatives vouées à l’échec » et de « revenir à la simple position d’auditeur »⁵.

Placée dans la continuité de ses œuvres des dix années suivantes, la portée de ce tournant dépasse largement un compte rendu de résidence. C’est le point de départ du passage de celui qui « fait de la musique sur des synthétiseurs » vers une voie embodied, centrée sur le corps et la localité sonore. Toutes les œuvres ultérieures qui font de « l’écoute » leur méthode centrale, de Repetend à Lightscape, de Hertz Playground à Reciter(s) 2.0, partagent le même préalable méthodologique : le choix fait en 2015 par celui qui posa son synthétiseur et marcha sur le corridor du Hexi.

De 2015 à 2016, il enchaîne avec une résidence à la Cité internationale des arts de Paris, communément appelée la Cité¹⁵. À Paris, il réalise Repetend : dans huit lieux situés aux portes de Paris et dans sa périphérie rurale, il enregistre à chaque fois vingt-quatre heures de son environnemental, puis les compresse et les superpose à une vitesse 256 fois supérieure, transformant « le rythme d’une journée entière dans un lieu » en structure sonore comparable et lisible. Présentée à la galerie Jed Voras, cette œuvre constitue l’un des premiers accomplissements mûrs de sa ligne de recherche sur « l’échelle temporelle comme matériau de composition ».

Du 4 novembre au 11 décembre 2016, il est en résidence au LABoral Centro de Arte y Creación Industrial, à Gijón, en Espagne, où il réalise Lightscape : une œuvre composée d’une installation audiovisuelle et d’une vidéo à trois canaux, qui convertit les paysages lumineux nocturnes de la ville, les scintillements de lampadaires, les phares, l’allumage et l’extinction des enseignes, en musique générative ; les itinéraires sur la carte deviennent partition, les paysages lumineux rencontrés en chemin deviennent morceau¹⁶. La même année, il effectue un court séjour à Hong Kong par le biais du programme d’échange entre PageNEXT et Asia Art Archive⁶. Durant cette période, il suit aussi le master en musique, parcours Studio Composition, au Goldsmiths, University of London, où il combine la tradition académique européenne de la première musique électronique, de l’improvisation libre et des études sonores avec la pratique de résidence qu’il a déjà développée¹⁷.

2018 est une année dense : de juillet à septembre, il obtient pour la seconde fois une aide du National Taiwan Museum of Fine Arts dans le cadre du « Technology and Art Integration Talent Overseas Residency Creation Program », et part en résidence à FACT (Foundation for Art and Creative Technology), à Liverpool, au Royaume-Uni, l’une des premières institutions britanniques à s’être consacrées à l’art numérique et aux expositions de nouveaux médias¹⁸. La même année, il est sélectionné par le Taipei Artist Village pour le programme PRACTICE et part en résidence à Artists Space, à New York⁶ ; il participe également à une résidence au Hangzhou Cross-Strait Cultural Exchange Center⁶.

Parallèlement, en juin 2017, il fonde à Taipei le studio Zone Sound Creative. Cette structure à deux voies, création personnelle en résidence et entité juridique capable de porter des projets publics, se poursuivra jusqu’après son diplôme du MIT.

4. La double voie des applications scéniques : de Macao et New York au National Theater and Concert Hall (2016-2019)

Après le Wanderer Project de 2015, le mode de travail de Chi Po-Hao suit deux voies parallèles. L’une relève de ses installations sonores personnelles réalisées en résidence en Europe ; l’autre de son important travail de conception sonore, de systèmes interactifs et de direction musicale dans les milieux du théâtre et de la danse sinophones.

La ligne macanaise constitue la partie la plus dense de cette période. En 2016, il compose la musique et réalise le design sonore de Well Come, de l’Imprint Macau Dance Association ; en 2017, il est directeur musical de l’installation théâtrale Years, Children, Voices au Macao Cultural Centre, de la pièce-paysage sonore The Typhoon of 1874 présentée dans l’ancien tribunal lors du Macao Arts Festival, sur le typhon dévastateur qui frappa Macao en 1874, ainsi que du théâtre immersif Years, Dance, Voices au Macao Cultural Centre⁶.

Du côté taïwanais, les collaborations théâtrales s’intensifient également à partir de 2017 : Industrial City de Nan-Yi Music au Weiwuying, ReDefine du JPG Percussion Lab au Centre des arts de l’Université nationale de Taïwan, Woman in the Clouds du Slowisland Theatre au Taoyuan Iron Rose Festival, 3.14159 Synesthesia Fashion Experimental Performance, un échange de danse entre Shenzhen, Hong Kong et Macao au Grand Théâtre de Shenzhen, et Backlighting into the Sound Forest de Tong Gen Sheng au Zhongshan Hall. En 2018, par le biais du programme PRACTICE d’Artists Space à New York, il pousse cette ligne performative jusqu’aux États-Unis : PRACTICExWind est présenté à Artists Space. En 2019, il est compositeur commandité pour Song of Silence du Yunshu Elegant Gathering, présenté dans le Guangfu Auditorium du Zhongshan Hall dans le cadre du Taipei Traditional Arts Festival ; la même année, il assure le design sonore et la musique de Wendy, pour les trente ans de Dance Forum Taipei, ainsi que d’Emiko de Chiu Yu-Hsuan.

Cette période semble, en surface, très éloignée de ses installations sonores à V2, à la Cité internationale des arts ou à LABoral. Mais la méthode de fond est la même : considérer le son comme une variable du système, et non comme un arrière-plan musical. Au théâtre, il répond aux mouvements des interprètes, à l’acoustique de l’espace, à la position du public ; dans l’installation, il répond au GPS, aux capteurs, aux signaux du réseau.

C’est précisément ce muscle scénique accumulé qui lui permet d’être choisi en 2019 par le National Theater and Concert Hall comme artiste en résidence de courte durée du « Art Base Project »¹⁹. Il s’agit d’une ressource phare accordée par le NTCH à de jeunes créateurs, et aussi de son premier point d’entrée officiel dans le système taïwanais des arts de la scène depuis sa position d’« artiste sonore du milieu des arts visuels ». L’année suivante, il est sélectionné avec Hertz Playground pour le programme NextTheater du NTCH, qui transforme les navigateurs mobiles en instruments collectifs et fait de trente téléphones un espace d’ensemble sonore dans lequel on peut entrer, dans le couloir audiovisuel du National Concert Hall. De la scène macanaise au NTCH, cette voie accomplit une boucle entre 2019 et 2020.

5. Trois ans au MIT : du laboratoire ACT au premier prix Schnitzer

En 2019, Chi Po-Hao part aux États-Unis pour intégrer le master Art, Culture and Technology (ACT) du Massachusetts Institute of Technology (MIT)²⁰. Il s’agit d’un programme interdisciplinaire très petit et très singulier au sein de l’École d’architecture et de planification du MIT, qui forme des créateurs-chercheurs capables de circuler entre art, culture et technologie, plutôt que des ingénieurs isolés ou de purs artistes plasticiens.

Durant ses trois années au MIT, il réalise plusieurs projets.

Le premier est Song of Distances : une œuvre en ligne où, lorsqu’un utilisateur ouvre la page web, la position GPS de son téléphone est associée à des nœuds cartographiques, et où un algorithme génère une mélodie personnalisée en fonction de la distance entre l’utilisateur et les autres nœuds²¹. L’orientation du téléphone influence la spatialité du son ; plus les participants sont nombreux, plus le paysage sonore généré par l’ensemble du système devient complexe. Cette œuvre constitue le point de départ d’une série ultérieure de projets qui génèrent des sons collectifs à partir de pages web participatives. La filiation de Reciter(s) 2.0 vient de là.

En août 2021, il remporte avec son camarade mexicain Chucho Ocampo Aguilar le Harold and Arlene Schnitzer Prize in Visual Arts du MIT, Chi obtenant le premier prix et Ocampo le deuxième¹. Le Schnitzer Prize est l’une des plus hautes distinctions accordées par le MIT aux étudiants en arts visuels ; le premier prix est doté de 5 000 dollars. La même année, son œuvre Plantfluencer Gazing est sélectionnée pour le Garden Program « Stranger Senses » d’Ars Electronica 2021²², marquant sa première sélection dans l’un des plus anciens festivals européens d’art électronique.

Vient ensuite 3000 Years Among Microbes. Cette œuvre, conçue par Chi Po-Hao, Rae Hsu (Hsu Jui-Ping) et l’artiste mexicaine Nancy Valladares, explore les frontières entre humains et microbes à travers le concept de « holobionte ». Ils interrogent le National Space Organization de Taïwan ainsi qu’un site analogue lunaire de la NASA, prélèvent des échantillons microbiens et replacent le présupposé de l’« anthropocentrisme » dans un cadre de lecture microbien. L’œuvre est exposée du 14 janvier au 27 février 2022 à la New Taipei Gallery, avec le soutien du ministère taïwanais de la Culture²³.

La même année, il reçoit du ministère de la Culture une aide pour une résidence à Medialab Prado, à Madrid, où il réalise Plastic Soup: Invisible Matters. Ce séjour relie ensuite, sur plusieurs années, un réseau de collaborations avec des artistes et collectifs mexicains, dont dériveLAB, BEMA et Chucho Ocampo. Cette ligne latino-américaine se prolongera en 2022-2023 avec Interfaces of the Invisible au Museo de la Ciudad de Querétaro, au Mexique.

6. Retour à Taïwan : harpe éolienne, Mexique, résidences institutionnelles

De juillet à septembre 2022, Chi Po-Hao reçoit une aide du ministère taïwanais de la Culture pour une résidence au 18th Street Arts Center, à Santa Monica, aux États-Unis²⁴. Il y développe un système intitulé « Aeolian Harp Radio Installation » : la harpe éolienne est un instrument ancien qui produit des sons au moyen du vent naturel ; il la transforme en dispositif capable de transmettre le son à distance par ondes courtes. Des cordes de matières et d’épaisseurs différentes, mises en mouvement par le vent dans des rues urbaines, des zones montagneuses ou des déserts, produisent des timbres distincts, et le signal est renvoyé par radio vers un récepteur.

En novembre 2023, ce système donne lieu à Interfaces of the Invisible, présenté au Museo de la Ciudad de Querétaro, au Mexique²⁵.

Durant cette période, son centre de gravité se déplace progressivement de la création personnelle vers la coopération institutionnelle et le commissariat. Il devient représentant international de Taïwan pour le festival Convergence du British Council⁶, et commence aussi à jouer le rôle de commissaire : en 2023, il conçoit Rescaling the World pour la conférence annuelle de la Taiwan STS Association au C-LAB ; en 2024, il assure le commissariat de Convergence: Artistic Explorations from Nature to Society, commandité par le National Science and Technology Council²⁶. Qu’un artiste soit mandaté comme commissaire par le NSTC, organe du système national de gouvernance scientifique et technologique, est une chose rare dans l’environnement taïwanais de l’art et de la technologie. Cette occasion découle directement du fait que, l’année précédente, un vice-ministre du NSTC était venu voir en personne son travail lors de l’exposition de la conférence STS.

En 2025, il devient artiste en résidence à Arts@ITRI, au sein de l’Industrial Technology Research Institute, signal officiel d’un déplacement depuis le milieu de l’art vers le système de recherche et développement technologique.

Reciter(s) 2.0, en 2025, est le produit de cette double identité. L’œuvre elle-même relève de sa création, mais sa réalisation s’appuie sur une équipe de collaboration stable, avec Lo Jo-Yu à la programmation et Lai Hui-Chia à la production, ce qui permet au studio Zone Sound Creative de fonctionner véritablement comme une unité indépendante capable de porter des projets à l’échelle internationale⁷.

7. Polyphony, Paris, Los Angeles (2025-2026)

Entre 2024 et 2025, il commence à développer systématiquement le thème de l’« eau ». De son exposition personnelle Moist Resonance à la Hong Foundation en 2023, à Symbiotic Sense(s) et Hydrospheric Sketch au RIXC Art Science Festival de Riga en 2024, puis à Cybernetics of Waterscape en 2025, il choisit Xizhi, à New Taipei, ville longtemps marquée par les inondations, comme site d’ancrage au long cours. Il y assemble les mémoires d’inondation des habitants, les structures fluviales, les systèmes de stations de pompage et les données de capteurs en un essai sonore urbain en train de s’écrire. Cette fois, il ne cherche pas à collecter le système : c’est la réponse que, dix ans plus tard, donne à lui-même celui qui avait posé son synthétiseur sur le corridor du Hexi en 2015.

Du 3 au 7 septembre 2025, il est sélectionné avec Cybernetics of Waterscape pour le pavillon taïwanais Polyphony, organisé par le C-LAB Taiwan Sound Lab et porté par le ministère de la Culture, au festival Ars Electronica à POSTCITY, Linz, en Autriche⁸. Polyphony est la première grande collaboration curatoriale entre le C-LAB et Ars Electronica après la signature, en janvier 2025, d’un protocole d’accord avec Ars Electronica Linz GmbH & Co KG. Elle réunit quatorze artistes ou collectifs taïwanais, et Chi Po-Hao fait partie des six œuvres de la section arts visuels présentées à POSTCITY⁹. C’est sa deuxième sélection à Ars Electronica, après celle de 2021 durant sa période au MIT.

Du 18 au 21 mars 2026, Reciter(s), version prolongée de Reciter(s) 2.0, est sélectionnée pour les IRCAM Forum Workshops à Paris et présentée à l’IRCAM ainsi qu’au Centre des Arts d’Enghien-les-Bains¹⁰. L’IRCAM est le centre national français de recherche sonore et musicale fondé en 1977 par le compositeur Pierre Boulez ; les Forum Workshops constituent le forum annuel que l’institution ouvre aux communautés internationales du son, de la technologie et de la composition. Pour Chi Po-Hao, c’est le moment où la série Reciter(s), née d’une expérimentation web en 2019, entre dans l’espace central d’une communauté académique de la technologie sonore.

Le 24 avril 2026, l’œuvre immersive d’art numérique Life in Motion, qu’il crée avec Zone Sound Creative, ouvre sur la Jerry Moss Plaza du Music Center, le centre des arts de la scène du comté de Los Angeles, pour une exposition qui dure jusqu’au 28 juin¹¹. The Music Center est l’une des institutions d’arts de la scène les plus importantes des États-Unis. Son campus couvre environ cinq hectares, son histoire dépasse soixante ans, et il inclut notamment le Walt Disney Concert Hall ; il est l’un des temples des arts de la scène à Los Angeles. Il s’agit de la première exposition immersive en plein air organisée par le centre en collaboration directe avec un artiste taïwanais. Selon un reportage de la Central News Agency, Beata Calinska, directrice adjointe de l’innovation numérique du Music Center de Los Angeles, a déclaré avoir découvert le travail de Chi Po-Hao en ligne et avoir validé cette collaboration après plusieurs visioconférences avec le Taiwan Academy de Los Angeles²⁷. Life in Motion intègre des visuels générés en temps réel et des technologies de détection interactive. Dans un petit espace isolé du monde extérieur par des rideaux noirs, l’environnement change selon les gestes et la position corporelle du public ; les images vont de la croissance cellulaire aux paysages planétaires, et se transforment et évoluent à chaque seconde²⁷.

Du corridor du Hexi à Linz, de Paris à Los Angeles, ces quatre lieux semblent sans rapport. Mais si l’on revient au moment de 2015 où il pose son synthétiseur, on découvre que cette trajectoire n’a en réalité qu’une seule direction.

8. On ne meurt pas si l’on ne crée pas

Lorsqu’en 2018 il revient sur son voyage de 2015 dans le Nord-Ouest dans le cadre du Wanderer Project, il écrit deux formules que beaucoup ont négligées. Il reconnaît avoir voulu à l’origine devenir un collecteur de terrain en ethnomusicologie, mais après avoir parcouru le corridor du Hexi, il décrit le véritable acquis de ce voyage comme le fait d’« accepter sereinement les tentatives vouées à l’échec » et de « revenir à la simple position d’auditeur »⁵.

Si l’on replace cela dans le contexte de ses dix années de travail ultérieures, où s’empilent algorithmes, GPS, voix synthétiques par IA et capteurs, on constate qu’il n’a jamais simplement fait de « l’art technologique ». Ce qu’il fait se rapproche davantage de l’inverse : utiliser toute une série d’outils technologiques pour se replacer à l’endroit où il se trouvait en 2015 sur le corridor du Hexi, lorsqu’il décida de « ne plus collecter, seulement écouter ».

En 2017, dans un entretien avec la National Culture and Arts Foundation, il prononce une phrase souvent citée :

« 不是不創作就會死。」¹⁴

Dans la bouche de quelqu’un diplômé d’économie, titulaire de deux masters internationaux, lauréat du premier prix en arts visuels du MIT, fort de plus de dix résidences internationales et propriétaire de sa propre société, cette phrase sonne presque paradoxale, car ce parcours ressemble très fortement à celui d’une personne qui a fait de la création sa vocation. Mais, dans le même entretien, il ajoute : « 我的作品很少有我自己的影子。 »¹⁴

C’est la clé pour comprendre Chi Po-Hao. Ses œuvres ne sont pas autobiographiques, ne projettent pas une affectivité personnelle, ne placent pas le « je » au centre. Ses œuvres sont des systèmes : une page web qui génère des mélodies à partir du GPS, un espace qui lit des sons environnementaux puis les accélère cent fois, un ensemble qui fait réciter simultanément trente téléphones. Il construit ces systèmes, puis se retire, laissant le public y entrer lui-même.

La page d’accueil de son site personnel écrit :

"work with sound, everyday technology, and interactive systems, often exploring participatory forms that encourage people to connect and reflect"
(travailler avec le son, les technologies du quotidien et les systèmes interactifs, en explorant souvent des formes participatives qui encouragent les personnes à se connecter et à réfléchir)²⁶

Le mot-clé de cette auto-présentation en anglais, participatory (participatif), désigne sa posture de travail après son retour du corridor du Hexi, et non un simple terme de design. Il utilise algorithmes, GPS, voix synthétisées par IA et capteurs pour mesurer ce monde, mais le but de cette mesure est de contraindre chacun à faire un choix perceptif, non de remplacer la perception humaine.

Nos oreilles n’ont pas de paupières. Mais savoir si nous avons des oreilles disposées à écouter est une autre question.

Pour aller plus loin

• Lin Ching-Yao — Autre artiste sonore et technologique de l’écosystème C-LAB, passé du tuishou du taiji à l’art génératif
• Wang Xinren (Aluan) — Artiste numérique, cofondateur d’akaSwap, de la même génération mais davantage orienté vers l’infrastructure curatoriale NFT
• Hello Nico — Identité de Chi Po-Hao dans un groupe indépendant à ses débuts, synthétiste de l’EP Floating City en 2014
• Art des nouveaux médias à Taïwan — La place de l’art sonore dans le contexte de l’art des nouveaux médias à Taïwan

Références