Chi Po-hao: el hombre que pasó de la economía al sonido y usa algoritmos para formular una pregunta: ¿realmente estás escuchando?

Chi Po-hao: el hombre que pasó de la economía al sonido y usa algoritmos para formular una pregunta: ¿realmente estás escuchando?

30 秒概覽： 紀柏豪（Pohao Chi），1989 年生，聲音藝術家、作曲家、策展人。台大經濟系畢業，赴倫敦金匠學院（Goldsmiths）取得音樂碩士，2021 年以 MIT Art, Culture and Technology 碩士身份拿下 Harold and Arlene Schnitzer Prize 視覺藝術首獎¹。2014 年以合成器手身份參與 Hello Nico《浮游城市》EP²，同年作品《空間的節奏》入選台北美術獎³、獲國美館贊助赴荷蘭 V2 鹿特丹駐村、獲選雲門舞集第 11 屆「流浪者計劃」⁴。2015 年走訪青海、甘肅、寧夏，沿河西走廊跨越一千多公里⁵，隨後駐村巴黎西帖、西班牙 LABoral（2016）、香港 Asia Art Archive（2016）、桃園憲光二村（2017）、紐約 Artists Space PRACTICE（透過台北國際藝術村選送，2018）、杭州兩岸文化交流中心（2018）、英國 FACT 利物浦（2018）、Medialab Prado 馬德里（2021）、洛杉磯 18th Street Arts Center（2022）、工研院 Arts@ITRI（2025）等十餘次國際與本地駐村⁶。2017 年創立融聲創意 Zone Sound Creative 工作室。2025 年於 C-LAB 聲響藝術節 DIVERSONICS 發表《朗誦者 2.0》⁷，並以《水景迴路 Cybernetics of Waterscape》參與 C-LAB 策劃的台灣館 Polyphony，在奧地利林茲 Ars Electronica 藝術節 POSTCITY 展出⁸⁹。2026 年 3 月以《朗誦者(s) Reciter(s)》參與巴黎 IRCAM Forum Workshops¹⁰；同年 4 月 24 日至 6 月 28 日，沉浸數位藝術作品《Life in Motion》在洛杉磯 The Music Center 的 Jerry Moss Plaza 展出¹¹。他用演算法、GPS、AI 合成聲音量測世界，卻始終追問同一件事：「聽」這個行為還有沒有自己的意志。

1. En la era de los asistentes de voz con IA, preguntar cómo “escuchan” los humanos

A fines de octubre de 2025, en el espacio de exhibición del segundo piso de la biblioteca del C-LAB, el Laboratorio de Cultura Contemporánea de Taiwán. Estaba en curso un festival de arte sonoro llamado DIVERSONICS¹². Una de las obras se titulaba Reciter(s) 2.0 RECITER(s) 2.0, de Chi Po-hao.

El público entraba al espacio, sacaba el teléfono, escaneaba un código QR y abría una página web; entonces empezaba a ocurrir algo. El teléfono de cada persona recitaba automáticamente el mismo texto con una voz sintetizada por IA. Cuando en el lugar solo había tres personas, el sonido era ordenado; cuando había treinta, las pequeñas desviaciones temporales entre los teléfonos se acumulaban y una recitación originalmente regular empezaba a desfasarse, estratificarse e interferir consigo misma. El texto seguía siendo el mismo, pero la configuración sonora de todo el espacio ya era completamente distinta.

La descripción de la obra decía:

「本作品的靈感源於 2000 年思科（Cisco）公司廣為人知的商業廣告『賦權互聯網世代』。當時，廣告中不同族裔的孩童不斷詢問：『你準備好了嗎』，傳遞出對高度互聯與全球化的美好願景。時至今日，語音助理應用表面上實現了跨國界的承諾，但這些合成聲音也逐漸從新奇走向日常，成為一種『慣習媒介』，並徘徊在過時的邊緣。」⁷

Leída en 2025, esa frase no contiene ni una pizca del optimismo tecnológico de los años 2000. Siri, Alexa, Google Assistant, el modo de voz de ChatGPT: las voces sintéticas pasaron de ser una novedad inquietante a convertirse en ruido de fondo, y dejamos de escucharlas. La respuesta de Chi Po-hao no es un comentario, sino una instalación: hacer que una voz sintetizada aparezca colectivamente en numerosos teléfonos en el lugar, se desfase y se desintegre, obligando a las personas a volver a escuchar qué es exactamente esa voz.

Esta obra fue una de sus presentaciones públicas más importantes de 2025, pero su lógica puede rastrearse once años atrás, cuando él acababa de graduarse del Departamento de Economía de la Universidad Nacional de Taiwán y enviaba obras a premios de arte.

2. Un hombre que entró al sonido desde el pensamiento cuantitativo

Chi Po-hao nació alrededor de 1989 en Taipéi. Estudió en la Taipei Municipal Jianguo High School y luego ingresó al Departamento de Economía de la Universidad Nacional de Taiwán⁶. En principio, ese habría sido un camino hacia las finanzas, la investigación o el análisis de políticas públicas. Pero durante la universidad se unió al club de música popular, entró en contacto con la guitarra y los arreglos, y empezó a subir a internet canciones grabadas por él mismo⁶.

Tras graduarse, no entró al sector financiero. Desde 2011 se convirtió en letrista y compositor contratado por Neutron Culture, la segunda generación de Magic Stone, y trabajó formalmente durante tres años como profesional de la música comercial; esa identidad se consolidó antes que su posterior figura de artista residente⁶. En 2013 fue seleccionado por el National Culture and Arts Foundation para el “Proyecto de viajes artísticos al extranjero”, con una investigación sobre instituciones de arte sonoro en Inglaterra y Francia¹³. En 2014 se unió a la banda independiente Hello Nico como tecladista de sintetizador y lanzó el EP Ciudad Flotante: el EP llegó al primer lugar en StreetVoice y al año siguiente ganó el premio a mejor EP del año en los Freshmusic Awards de Singapur².

2014 fue un punto de inflexión todavía mayor. Ese mismo año fue elegido por tres instituciones taiwanesas de naturaleza completamente distinta: su obra Rhythm of Space fue seleccionada para la 14.ª edición del Taipei Art Awards³; recibió apoyo del “Digital Art Talent Overseas Residency Program” del Museo Nacional de Bellas Artes de Taiwán para realizar una residencia en V2_Lab for the Unstable Media, en los Países Bajos⁶; y fue seleccionado para la 11.ª edición del “Wanderer Project” de Cloud Gate Dance Theatre⁴. Tres vías arrancaron a la vez: uno de los premios de artes visuales más importantes de Taiwán, un apoyo de residencia otorgado por un museo nacional y una beca internacional de viaje para jóvenes concedida por una compañía de danza independiente.

¿Qué hizo durante la residencia en V2? La obra se llamaba Rhythm of Space. Grabó el paisaje sonoro ambiental del espacio expositivo durante 24 horas y lo reprodujo en el lugar a una velocidad cien veces mayor, manteniendo fija la altura tonal. En la sala había un reloj proyectado. Cuando el público se situaba en una posición determinada, la velocidad de reproducción bajaba hasta el ritmo normal: el sonido pasaba de un pulso denso, con “un día comprimido en catorce minutos”, a un sonido cotidiano en el que “un segundo es un segundo”. El núcleo de la obra era la escala temporal: convertir el paisaje sonoro ambiental, que los humanos pueden ignorar como fondo, en un primer plano que deben afrontar.

Cuando la revista en línea del National Culture and Arts Foundation lo entrevistó en 2017, citó una frase del compositor canadiense R. Murray Schafer:

「我們的耳朵沒有蓋子，注定會一直聽著；但這並不表示，我們有一雙開放的耳朵。」¹⁴

Esa frase explica por qué todo su recorrido creativo posterior parece disperso pero en realidad es coherente: desde los arreglos de sintetizador para Hello Nico hasta las instalaciones sonoras de su residencia en V2, desde la espacialización del sonido hasta las obras web con voz de IA, solo ha hecho una cosa: separar “hear” —la recepción fisiológica del sonido— de “listen” —la voluntad activa de escuchar—, para que las personas vuelvan a elegir.

Pero el verdadero punto de origen de esa oposición “hear / listen” no está en el Taipei Art Awards ni en V2 Róterdam: está en el corredor de Hexi en 2015.

3. Wanderer y Cité: del noroeste chino a Europa (2014-2018)

En 2015 partió con el proyecto “Exploración de canciones populares y rituales del noroeste”, y recorrió sucesivamente las provincias de Qinghai, Gansu y Ningxia, atravesando más de mil kilómetros a lo largo del corredor de Hexi⁵. El plan original era registrar de forma sistemática la música popular local: hua’er, tambor de Lanzhou, cantos y danzas tibetanas y del pueblo yugur. Al mismo tiempo había una gira: en Pekín, Yinchuan y Lanzhou, “Yu Tao Workshop” organizó una presentación llamada Al norte de las voces múltiples.

Pero a mitad del viaje descubrió que sus herramientas habían dejado de funcionar. Hasta entonces, su principal forma de hacer música había sido el sintetizador, Max/MSP y la operación digital: un método basado en la premisa de “yo controlo el sonido desde una interfaz”. En el noroeste no había interfaz. Lo que había era el viento del corredor de Hexi, las presentaciones en el sótano de Yu Tao Workshop, el llamado en una mezquita sufí de Yinchuan, las ruedas de oración del condado autónomo yugur de Sunan, la plaza escolar en el condado de Xiahe donde estudiantes tibetanos recreaban la historia del Ejército Popular de Liberación. Nada de eso podía sintetizarse, ni tampoco recopilarse limpiamente como datos de campo.

En la segunda mitad del viaje, abandonó el plan original de registro sistemático y puso los intercambios del momento por delante de la grabación. En un texto que escribió en 2018 al mirar retrospectivamente esa travesía, describió el verdadero fruto de la experiencia como “aceptar con serenidad los intentos inútiles” y “volver a la identidad simple de oyente”⁵.

Visto dentro del contexto de sus obras de la década siguiente, ese cambio significa mucho más que una reflexión de residencia. Fue el punto de partida de su paso de “una persona que hacía música con sintetizadores” hacia una ruta encarnada, ligada al cuerpo y a la localidad del sonido. Todas las obras posteriores que toman la “escucha” como método central —Repetend, Lightscape, Hertz Playground y hasta Reciter(s) 2.0— comparten como premisa metodológica la elección que hizo en 2015 aquella persona que dejó el sintetizador y caminó por el corredor de Hexi.

Entre 2015 y 2016 continuó con una residencia en la Cité Internationale des Arts de París, conocida en chino como “París Xitie”¹⁵. Allí completó Repetend: grabó 24 horas completas de sonido ambiental en ocho puntos de las puertas de París y sus alrededores rurales, y las comprimió y superpuso a una velocidad de 256 veces, convirtiendo “el ritmo de un día entero de un lugar” en una estructura sonora comparable y legible. La obra se exhibió en Jed Voras Gallery y fue una de las primeras maduraciones de su línea metodológica de “la escala temporal como material compositivo”.

Del 4 de noviembre al 11 de diciembre de 2016 realizó una residencia en LABoral Centro de Arte y Creación Industrial, en Gijón, España, donde completó Lightscape: una obra compuesta por una instalación audiovisual y un video de tres canales que convertía los paisajes lumínicos nocturnos de la ciudad —el parpadeo de las farolas, las luces de los autos, los encendidos y apagados de los letreros— en música generativa, usando las rutas del mapa como partitura y los paisajes lumínicos del trayecto como composición¹⁶. Ese mismo año hizo una residencia breve en Hong Kong mediante el programa de intercambio entre PageNEXT y Asia Art Archive⁶. En ese período también cursó la maestría en música, en Studio Composition, en Goldsmiths, University of London, integrando la tradición académica europea de la música electrónica temprana, la improvisación libre y los estudios sonoros con las prácticas de residencia que ya venía construyendo¹⁷.

2018 fue un año intenso: de julio a septiembre recibió por segunda vez apoyo del Museo Nacional de Bellas Artes de Taiwán a través del “Technology and Art Integration Talent Overseas Residency Program”, para realizar una residencia en FACT Liverpool, Foundation for Art and Creative Technology, una de las primeras instituciones del Reino Unido en trabajar con arte digital y exhibiciones de nuevos medios¹⁸. Ese mismo año, mediante el programa PRACTICE seleccionado por Taipei Artist Village, realizó una residencia en Artists Space, Nueva York⁶; también participó en una residencia en el Cross-Strait Cultural Exchange Center de Hangzhou⁶.

En paralelo, en junio de 2017 fundó en Taipéi el estudio Zone Sound Creative. Esa estructura de doble vía —creación individual en residencias más una entidad jurídica capaz de asumir proyectos públicos— se mantendría incluso después de su graduación del MIT.

4. La doble vía de la aplicación escénica: de Macao y Nueva York al National Theater and Concert Hall (2016-2019)

Tras el Wanderer Project de 2015, la forma de trabajo de Chi Po-hao pasó a avanzar por dos carriles. Uno eran sus instalaciones sonoras personales realizadas en residencias europeas; el otro, el trabajo sostenido como diseñador sonoro, desarrollador de sistemas interactivos y director musical en el teatro y la danza del mundo sinoparlante.

La línea de Macao fue el núcleo más intenso de esta etapa. En Well Come, de Imprint Macau Dance Association, en 2016, hizo música y diseño sonoro; en 2017 fue director musical de la instalación teatral Years · Childhood · Voices del Centro Cultural de Macao, del teatro de paisaje sonoro The Typhoon of 1874 en el antiguo tribunal del Festival de Artes de Macao —sobre el devastador tifón que azotó Macao en 1874— y de la obra inmersiva Years · Dance · Voices del Centro Cultural de Macao⁶.

Las colaboraciones teatrales en Taiwán también se intensificaron desde 2017: Industrial City de Nan Yi Music Ensemble en Weiwuying, ReDefine de JPG Percussion Lab en el Centro de Artes de la Universidad Nacional de Taiwán, The Woman in the Clouds de Slowisland Theatre en el Iron Rose Arts Festival, 3.14159 Empathic Clothing Experimental Performance, el intercambio de danza Shenzhen-Hong Kong-Macao en el Shenzhen Grand Theatre y Returning Light into the Sound Forest de Tong Gen Sheng en Zhongshan Hall. En 2018, mediante el programa PRACTICE de Artists Space en Nueva York, llevó esta línea de práctica escénica a Estados Unidos: la obra PRACTICExWind se presentó en Artists Space. En 2019 fue compositor por encargo de Song Without Words de Yunshu Gathering, presentada en Guangfu Hall de Zhongshan Hall durante el Taipei Traditional Arts Festival; ese mismo año se encargó del diseño sonoro y la música de Wendy, por el 30.º aniversario de Dance Forum Taipei, y de Emiko de Chiu Yu-hsuan.

En apariencia, este período está muy lejos de las instalaciones sonoras que realizó en V2, la Cité de París y LABoral, pero el método de fondo es el mismo: el sonido como variable de un sistema, no como acompañamiento de fondo. En el teatro responde a los movimientos de los actores, la acústica del espacio y la posición del público; en la instalación responde a GPS, sensores y señales de red.

Precisamente ese músculo teatral acumulado hizo que en 2019 fuera seleccionado por el National Theater and Concert Hall como artista residente de corto plazo del “Art Base Program”¹⁹. Era un recurso insignia otorgado por el NTCH a jóvenes creadores y también la primera entrada formal de Chi, desde su posición de artista sonoro del circuito de las artes visuales, al sistema taiwanés de artes escénicas. Al año siguiente, Hertz Playground fue seleccionado para el programa “NextTheater” del NTCH: convirtió el navegador móvil en un instrumento colectivo y permitió que treinta teléfonos formaran un espacio de ensamble transitable en la galería audiovisual del National Concert Hall. De los teatros de Macao al NTCH, ese carril completó un circuito entre 2019 y 2020.

5. Tres años en el MIT: del laboratorio ACT al primer premio Schnitzer

En 2019, Chi Po-hao viajó a Estados Unidos para ingresar a la maestría en Art, Culture and Technology (ACT) del Massachusetts Institute of Technology (MIT)²⁰. Es un programa interdisciplinario muy pequeño y singular dentro de la School of Architecture and Planning del MIT: forma creadores-investigadores capaces de moverse entre arte, cultura y tecnología, no ingenieros aislados ni artistas puros.

Durante sus tres años en el MIT hizo varias cosas.

Primero, Song of Distances: una obra web en la que, al abrir la página, la ubicación GPS del teléfono del usuario se asignaba a nodos de un mapa, y un algoritmo generaba melodías personalizadas según la distancia entre ese usuario y otros nodos²¹. La orientación del teléfono afectaba la espacialidad del sonido; mientras más usuarios participaban colectivamente, más complejo se volvía el paisaje sonoro generado por el sistema. Esta obra fue el punto de partida de una serie posterior de piezas que generan sonidos colectivos mediante páginas web participativas. La genealogía de Reciter(s) 2.0 nace aquí.

En agosto de 2021, él y su compañero mexicano Chucho Ocampo Aguilar ganaron conjuntamente el Harold and Arlene Schnitzer Prize in Visual Arts del MIT: Chi obtuvo el primer lugar y Ocampo el segundo¹. El Schnitzer Prize es uno de los máximos reconocimientos del MIT para estudiantes de artes visuales, con un primer premio de 5.000 dólares. Ese mismo año, su obra Plantfluencer Gazing fue seleccionada para el Garden Program “Stranger Senses” de Ars Electronica 2021²², su primera participación en uno de los festivales de arte electrónico más antiguos de Europa.

Luego vino 3000 Years Among Microbes. La obra fue cocreada por Chi Po-hao, Rae Hsu (Hsu Jui-ping) y la artista mexicana Nancy Valladares, y exploraba las fronteras entre humanos y microorganismos a través del concepto de “holobionte”. Entrevistaron al National Space Organization de Taiwán y a una base de simulación lunar de la NASA, recolectaron muestras microbianas y colocaron el presupuesto del “antropocentrismo” dentro de un marco de perspectiva microbiana para examinarlo de nuevo. La obra se exhibió del 14 de enero al 27 de febrero de 2022 en New Taipei Gallery y recibió apoyo del Ministerio de Cultura de Taiwán²³.

Ese mismo año obtuvo apoyo del Ministerio de Cultura para una residencia en Medialab Prado, en Madrid, donde completó Plastic Soup: Invisible Matters, y conectó una red de colaboración de varios años con artistas y colectivos mexicanos —dériveLAB, BEMA, Chucho Ocampo—. Esa línea latinoamericana se extendería entre 2022 y 2023 hasta Interfaces of the Invisible, en el Museo de la Ciudad de Querétaro, México.

6. Regreso a Taiwán: arpa eólica, México, residencias institucionales

De julio a septiembre de 2022, Chi Po-hao recibió apoyo del Ministerio de Cultura de Taiwán para realizar una residencia en 18th Street Arts Center, en Santa Mónica, Estados Unidos²⁴. Allí desarrolló un sistema llamado “Aeolian Harp Radio Installation”: el arpa eólica es un antiguo instrumento que produce sonido mediante el flujo natural del viento, y Chi la modificó para convertirla en un dispositivo capaz de transmitir sonido a distancia mediante señales de onda corta. Cuerdas de distintos materiales y grosores vibraban con el viento en calles urbanas, montañas y desiertos, generaban timbres diversos, y la señal regresaba por radio al receptor.

En noviembre de 2023, ese sistema derivó en Interfaces of the Invisible, exhibida en el Museo de la Ciudad de Querétaro, México²⁵.

Durante este período, su centro de gravedad se desplazó gradualmente desde la creación individual hacia la colaboración institucional y la curaduría. Fue representante internacional de Taiwán para el festival Convergence del British Council⁶, y comenzó a asumir el rol de curador: en 2023 curó Rescaling the World para la conferencia anual de la Taiwan STS Association en C-LAB; en 2024 curó Convergence: Artistic Explorations from Nature to Society, por encargo del National Science and Technology Council²⁶. Que el NSTC, parte del sistema nacional de gobernanza científica y tecnológica, encargara la curaduría a un artista es algo poco común en el entorno taiwanés de arte y tecnología, y la oportunidad surgió directamente del año anterior, cuando el viceministro del NSTC asistió en persona a ver su trabajo durante la curaduría de la conferencia STS.

En 2025 se convirtió en artista residente de Arts@ITRI, del Industrial Technology Research Institute: una señal formal de desplazamiento desde el circuito artístico hacia el sistema de investigación y desarrollo tecnológico.

Reciter(s) 2.0, de 2025, es producto de esa doble identidad: la obra en sí es una creación suya, pero en la ejecución cuenta con un equipo de colaboración estable —programación de Luo Ruo-yu y producción de Lai Hui-chia—, lo que hace que el estudio Zone Sound Creative funcione verdaderamente como una unidad independiente capaz de asumir proyectos a escala transnacional⁷.

7. Polyphony, París, Los Ángeles (2025-2026)

Entre 2024 y 2025 empezó a desplegar sistemáticamente el tema del “agua”. Desde su exposición individual Moist Resonance en la Hong Foundation en 2023, pasando por Symbiotic Sense(s) y Hydrospheric Sketch en el RIXC Art Science Festival de Riga en 2024, hasta Cybernetics of Waterscape en 2025, eligió Xizhi, en Nuevo Taipéi, una localidad afectada durante largo tiempo por inundaciones, como sitio de trabajo a largo plazo, y ensambló memorias de inundaciones de los residentes, estructuras fluviales, sistemas de estaciones de bombeo y datos sensoriales en un ensayo sonoro urbano en curso. Esta vez no quería recopilar el sistema: fue la respuesta que, diez años después, se dio a sí misma aquella persona que había dejado el sintetizador en el corredor de Hexi en 2015.

Del 3 al 7 de septiembre de 2025, Cybernetics of Waterscape fue seleccionada para Polyphony, el pabellón taiwanés curado por C-LAB Taiwan Sound Lab y organizado por el Ministerio de Cultura, y se exhibió en POSTCITY durante el festival Ars Electronica en Linz, Austria⁸. Polyphony fue la primera gran colaboración curatorial entre C-LAB y Ars Electronica después de la firma de un MOU entre C-LAB y Ars Electronica en enero de 2025; reunió a 14 artistas o colectivos taiwaneses, y Chi Po-hao fue una de las seis obras de la sección de artes visuales en POSTCITY⁹. Fue su segunda selección para Ars Electronica; la primera había sido en 2021, durante su etapa en el MIT.

Del 18 al 21 de marzo de 2026, la versión extendida de Reciter(s) 2.0, Reciter(s), fue seleccionada para los IRCAM Forum Workshops de París y se presentó en IRCAM y el Centre des Arts d'Enghien-les-Bains¹⁰. IRCAM es el centro nacional francés de investigación sonora y musical fundado en 1977 por el compositor Pierre Boulez; los Forum Workshops son el foro anual que esa institución abre a comunidades globales de sonido, tecnología y composición. Para Chi Po-hao, fue el momento en que la serie “Reciter(s)”, nacida como experimento web en 2019, ingresó al núcleo de la comunidad académica de tecnología sonora.

El 24 de abril de 2026, la obra de arte digital inmersivo Life in Motion, creada junto con Zone Sound Creative, abrió en Jerry Moss Plaza de The Music Center, el centro de artes escénicas del condado de Los Ángeles, con exhibición hasta el 28 de junio¹¹. The Music Center es una de las instituciones de artes escénicas más importantes de Estados Unidos; su campus ocupa unas cinco hectáreas, tiene más de 60 años de historia e incluye el Walt Disney Concert Hall, uno de los templos de las artes escénicas de Los Ángeles. Fue la primera exposición inmersiva al aire libre que el centro curó en colaboración directa con un artista taiwanés. Según informó Central News Agency, Beata Calinska, subdirectora de innovación digital de The Music Center, dijo personalmente que descubrió la obra de Chi Po-hao en internet y, tras varias videollamadas con el Taiwan Academy de Los Ángeles, terminó cerrando la colaboración²⁷. Life in Motion integra visuales generativos en tiempo real y tecnología de sensores interactivos; en un pequeño espacio aislado del exterior con cortinas negras, el entorno cambia según los gestos y la posición corporal del público. Las imágenes pasan del crecimiento celular a paisajes planetarios, y cambian y evolucionan sin cesar cada segundo²⁷.

Del corredor de Hexi a Linz, París y Los Ángeles: parecen cuatro lugares inconexos. Pero si se vuelve al momento de 2015 en que dejó el sintetizador, se descubre que esa trayectoria en realidad avanza en una sola dirección.

8. No se muere por no crear

Cuando en 2018 recordó su viaje Wanderer de 2015 por el noroeste chino, escribió dos descripciones que muchos han pasado por alto. Reconoció que originalmente quería convertirse en un recolector de campo de música étnica, pero tras recorrer el corredor de Hexi describió el verdadero fruto de ese viaje como “aceptar con serenidad los intentos inútiles” y “volver a la identidad simple de oyente”⁵.

Visto dentro del contexto de su trabajo de la década siguiente —la acumulación continua de algoritmos, GPS, voces sintetizadas por IA y sensores—, se advierte que nunca ha estado haciendo simplemente “arte tecnológico”. Lo que hace se acerca más a lo contrario: usar todo un conjunto de herramientas tecnológicas para volver a colocarse en la posición de aquel 2015, en el corredor de Hexi, cuando decidió “dejar de recopilar y solo escuchar”.

En una entrevista con el National Culture and Arts Foundation en 2017, dijo una frase que luego se citaría con frecuencia:

「不是不創作就會死。」¹⁴

En boca de alguien graduado de economía, con dos maestrías internacionales, ganador del primer premio de artes visuales del MIT, con más de diez residencias internacionales y su propia empresa, la frase suena disonante, porque el currículum mismo parece el de alguien que ha convertido la creación en vocación. Pero en la misma entrevista añadió otra frase: “Mis obras rara vez tienen mi propia sombra”¹⁴.

Esa es la clave para entender a Chi Po-hao. Sus obras no son autobiográficas, ni proyecciones emocionales, ni colocan al “yo” en el centro. Sus obras son sistemas: una página web que genera melodías por GPS, un espacio que lee sonidos ambientales y los acelera cien veces, un conjunto que hace recitar simultáneamente a treinta teléfonos. Él construye esos sistemas y luego se retira, para que el público entre por sí mismo.

La página principal de su sitio web personal dice:

"work with sound, everyday technology, and interactive systems, often exploring participatory forms that encourage people to connect and reflect"
（以聲音、日常科技與互動系統為創作媒介，經常探索鼓勵人們連結與反思的參與式形式）²⁶

La palabra clave de esa autodescripción en inglés, participatory, “participativo”, es la postura de trabajo que asumió después de regresar del corredor de Hexi, no un simple término de diseño. Usa algoritmos, GPS, voces sintetizadas por IA y sensores para medir el mundo, pero el objetivo de esa medición es obligar a las personas a tomar una decisión perceptiva, no reemplazar su percepción.

Nuestros oídos no tienen párpados. Pero si tenemos o no oídos dispuestos a escuchar, eso es otro asunto.

Lecturas complementarias

• Lin Ching-yao — Artista sonoro y tecnológico también vinculado al ecosistema de C-LAB, que pasó del taichí yunshou al arte generativo
• Wang Shin-jen (A-luan) — Artista digital, cofundador de akaSwap; de la misma generación, pero más orientado a la infraestructura curatorial de NFT
• Hello Nico — La identidad temprana de Chi Po-hao en una banda independiente; tecladista de sintetizador en el EP Ciudad Flotante de 2014
• Nuevo arte mediático taiwanés — La posición del arte sonoro dentro del contexto del nuevo arte mediático en Taiwán

Referencias